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Entrevista con el grupo ROMEO | Musica Rock

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El grupo de Rock ROMEO nos recibió el pasado jueves, minutos antes de subirse al escenario, para contarnos los detalles de su segundo disco; Nada Importa. Estuvimos charlando con Joseph, Alberto, Hom, Senén y Toni que, sin tapujos y con la sinceridad como marca de la casa, nos hablaron de su nuevo trabajo y de los proyectos inmediatos en los que la banda esta sumergida.

Para los que no tienen el placer de haber descubierto vuestra música, contadnos un poco ¿cómo nace Romeo?

Joseph: Romeo nace en Murcia de manos de Alberto y mías, que veníamos de tocar durante más de nueve años en diferentes bandas. Allí dejamos Lizar y se creó Romeo. Nos metimos a grabar un disco con Jorge Escobedo al cual nos presentó Manuel Torreolosa, ingeniero de la Sala de Máquinas de allí de Lorca, donde grabamos el primer disco y una vez en el estudio ocurrieron cosas que pasan en el día a día de los grupos y Jorge nos propuso venirnos a Madrid. Nos vinimos con él y aquí completamos la banda y se formó Romeo aquí en la capital. Romeo no venía de Murcia, de allí veníamos Alberto y yo y fue ya en Madrid donde se creó Romeo.

¿Por qué el nombre de Romeo?

Joseph: Intentábamos encontrar, buscando mucho, un nombre que sonara bonito y que reflejara, en una sola palabra, todo el sentimiento y la temática romántica pero, por desgracia, muy pesimista, muy cruda también, como que no siempre las cosas acaban bien. Romeo nos iba como anillo al dedo y además sonaba bien.

La formación inicial ha sufrido un cambio de batería y la incorporación de un nuevo guitarrista. ¿En qué van a influir esos cambios en el sonido de Romeo? ¿Qué os han aportado Senén (batería) y Toni (guitarra)?

Joseph: Senén ha aportado mucha profesionalidad a la banda a todos los niveles. Es un músico al que yo admiro mucho personalmente, al que voy a ver cuando toca con sus otras formaciones porque me gusta verle tocar. Es un tío al que admiro muchísimo y es un placer poder contar con él. Toni, por su parte, ha aportado todo lo contrario (carcajada general), no, en serio, ha aportado mucho rock´n roll y la admiración que le tengo va a la par de la que siento por Senén.

 

Nada Importa es el segundo trabajo que publicáis. Contadnos un poco qué podemos encontrar en el disco.

Toni: Es un disco de 11 canciones de rock-metal en el cual hemos querido expresar lo que llevamos un poco dentro. En el momento de la composición pues era un poquito de odio y… es un poquito de odio lo que os vais a encontrar. No somos un grupo extremo pro es una pincelada del odio que llevamos dentro.

Joseph: Nunca nos planteamos ni nos reunimos para decidir qué vamos a grabar ni si Nada Importa tenia que ser un disco de metal. Nos pusimos a hacer canciones y resultó que juntas compactaban al máximo una con otra. Hicimos, en realidad, lo que nos salió de los sentimientos.

Por cierto, ¿por qué ese título? ¿en realidad “Nada Importa” a Romeo?

Joseph: A la hora de componer el disco y ahora que ya está a la venta realmente, sinceramente… nos da un poco igual todo; lo que digan, lo que dejen de decir, lo que lleguemos a hacer, lo que no lleguemos a hacer… Somos cinco amigos que se lo pasan de puta madre tocando y que necesitan tocar y lo demás nos importa más bien tirando a nada.

El nuevo trabajo tiene 11 temas nuevos pero ¿cuál es el que al tocarlo y cantarlo decís “este es el mejor tema”? ¿Cuál es el que os enorgullece más?

Hom: De la música te puedes sentir orgulloso de una parte concreta, de un solo de guitarra o de cómo suena la batería en determinada estrofa pero yo creo que debería responderlo Joseph en cuanto a que el es el compositor de la letra ¿no?

Joseph: yo me siento particularmente orgulloso de “Mi Maldición”, de “Encontrar la Palabra” y de “Dame tu Luz”. Creo que son las tres mejores letras que he escrito nunca, cada una en su estilo porque son tres canciones que yo considero muy diferentes pero que reflejan mucho y muy fielmente el sentimiento del disco entero. Una canción más agresiva, más “Nada Importa”, otra que describe un poco mi sentimiento y lo que creo que siente la banda hacia la música que es “Mi Maldición”, ya que ser músico es un poco una maldición porque en realidad no te vale nada más que para pasar penurias. Y la otra, la de “Encontrar la Palabra”, es una canción que le dedico a un amigo por circunstancias.

¿De dónde sacas esas letras tan directas que nos regalas en cada trabajo?

Joseph: (entre risas)… Tengo una chistera que se llama… No, las saco de las cosas que me pasan y de cómo yo las veo. Simplemente de ahí, ni me invento nada, ni me gusta hablar de cosas que no me pasan. Quizás soy muy egoísta a la hora de escribir letras y eso lo reconozco. No cuento historias, digamos que para mí el hacer letras es una necesidad, es una cura. Les agradezco al grupo que me den soporte para hacerlo porque es una cosa que hago más por necesidad que por otra cosa.

¿Cómo es el proceso de composición de un tema hasta que se convierte en apto para un disco y para tocarlo y cantarlo? ¿Cómo lo organizáis?

Hom: Es aleatorio. No hay una pauta que sigamos al pie de la letra y digamos; primero esto, luego lo otro…

Toni: Se dan todas las posibilidades. Hay canciones que han salido en el local y la letra prácticamente hay una parte que ha salido en el local. Hay otras en las que se ha partido de una letra completa, otras las hemos traído alguno de nosotros ya esbozada con un estribillo y se ha partido de ahí. Se han dado todas las posibilidades.

Joseph: Pero básicamente es un conjunto. Este disco lo hemos compuesto entre cinco. Es una composición muy fluida porque prácticamente se ha hecho hablando. Al estar tan compenetrados ha sido todo muy fluido, digamos que ha sido un ; yo tengo esto, éste le añade lo otro.

Toni: Lo cierto es que es un lujo que de repente se junten cinco tíos en un local de ensayo, se hable, se haga todo en conjunto… es una pasada.

Volvéis a contar con Jorge Escobedo en la producción y colaboran con vosotros Morti, Pablo Giaretta y Héctor Jerónimo, ¿cómo se siente Romeo al poder contar con ellos en este Nada Importa?

Joseph: Bueno, es que ellos tenían muchas ganas de tocar con nosotros (risas entre ellos). No, en el caso de Morti es un placer. Yo personalmente vengo admirando a Morti desde que era chico, desde Fantástico Hombre Bala y que ahora un artista como el cante una canción mía, joder… una canción mía, con mi grupo, es una cosa que no se puede describir. El tema de Pablo y Héctor pues son prácticamente como dos hermanos aquí en Madrid, la verdad. Dos tíos con los que yo, particularmente, he hecho mucha amistad, con los que llevamos una trayectoria musical paralela y es un lujo tener amigos que hagan estas cosas.

Y en el caso de Jorge yo creo que su ayuda no tiene precio. Fue el que nos cogió en Murcia a Alberto y a mí, nos trajo para acá y nos dio la oportunidad y a él le debemos, sobre todo en el primer disco, el sonido de la banda. En este segundo trabajo nos ha dado muchísima más libertad porque lo ha visto igual de claro que nosotros y es un poco el gurú del grupo. Yo creo que como productor de rock hay pocos que le superen, no sólo por nosotros sino por muchas cosas.

¿Cuáles son los objetivos que pretendéis conseguir con este disco?

Romeo: Tocar, tocar y tocar.

Senén: Ese es el plan un poco de este disco. Tirar para adelante, intentar no despistarnos con tonterías y tocar para que la gente sepa que existimos porque una banda sin tocar no vive.

Joseph: Es un poco lo que dice Senén. A veces, aquí en España existe la costumbre de que el músico no tiene que cobrar, de que la música no vale dinero.

Toni: Nosotros tenemos como objetivo volver a lo que es la esencia del músico que no es otra que tocar y dar un servicio por el que, claramente, necesitamos que se nos pague para poder seguir ofreciéndolo. Es vivir de lo que nos gusta hacer.

Fueron muy buenas las críticas del primer disco, ¿tenéis miedo de cómo se reciba este segundo trabajo?

Hom: Hombre, está claro que queremos que a la gente le guste pero, como todo el mundo quiere que le guste aquello en lo que se ha puesto mucho empeño, ¿no?

Joseph: No nos planteamos el hacer canciones para la gente, yo creo que ahí somos también muy egoístas componiendo música. Componemos canciones para nosotros y si nos gustan a nosotros son las que se quedan y se publican. Hacemos una música que llena un pequeño vacío. Hoy en día sólo hay pop o rock, heavy o metal, pero no hay un término medio para aquellos que no saben hacia dónde tirar. Este es el caso en el que encuentran a Romeo.

A la hora de subir al escenario, ¿cómo definiríais vuestra puesta en escena?

Senén: De momento queremos tener contundencia con las canciones y estar a gusto y, más adelante, ya pensaremos en la puesta en escena. De momento tiene que hablar la música. Queremos centrarnos en hacer un buen directo. Que todo el mundo dé las notas cuando toque, que suenen bien los temas y ya veremos cómo montamos el directo más adelante. Mantenemos los pies en el suelo y tampoco tenemos tiempo todos de juntarnos en el local y montar un buen show, a parte de nuestra música.

Joseph: Yo no creo que Kurt Cobain tuviese un guión premeditado para realizar los conciertos. Rompía las guitarras simplemente porque tenía más. Nosotros, en ese sentido, tenemos a Toni que sólo tiene una y la tira (risas)

Habláis de influencias como Him, Alter Bridge o Sôber, entre otros, pero ¿qué os iguala y qué os hace diferentes a ellos?

Joseph: La verdad es que has nombrado grupos que son grandes influencias de romeo. Sôber, después de Héroes del Silencio, para mí ha sido el grupo más grande de rock que ha habido en España. Hamlet también es un grupo español que me ha gustado y me sigue gustando mucho y el tema de Him es una influencia más mía porque al resto de Romeo no les va mucho. Pero ahora mismo las influencias del grupo son más amplias.

Senén: Aquí cada uno venimos de un palo diferente entonces hay influencias sureñas, influencias metal, un poco de todo.

Existe una lucha abierta contra la piratería, las facilidades y las vulneraciones de ley que ofrece Internet. ¿Qué opinión tenéis sobre ello?

Joseph: Hay un poco de controversia en este tema. Por un lado esta bien porque es un canal de publicidad buenísimo y por otro, también es un canal de confusión enorme. Tú puedes poner el myspace de Romeo y te puede parecer igual de bueno que el de Metallica… Digamos que es un arma de doble filo, sirve tanto para lo bueno como para lo malo y se crea mucha confusión porque hay demasiada información.

Toni: Las discográficas son las que lo pasan peor. Cuando pase esta fase de no saber qué forma de promocionar es la mejor, cuando se reparta de nuevo el pastel, nosotros estaremos en las misma situación que ahora. Cuando pase la tempestad nosotros seguiremos en el mismo camino, viviendo de los conciertos o malviviendo de ellos. Ahora mismo son muchas las discográficas que están cerrando y, aunque la tormenta sea en el barrio de al lado, a nosotros nos llega.

¿Romeo da para vivir o de momento no?

Senén: De momento no pero esperamos que en un tiempo sí nos dé para vivir.

Joseph: Ojalá dé para eso pero, de momento, es más necesidad que otra cosa y, sobre todo, una inversión.

Toni: Hoy en día son muchos los grupos que no hablan del tema del dinero, es como un tema tabú. Nosotros somos muy sinceros y queremos ser profesionales de este mundillo. Junto a eso lo que queremos es salir, girar y no “palmar” que en la terminología musical es no tener que poner tu dinero para la gasolina y para girar. E igual que te digo una cosa, también te digo que somos afortunados en este sentido.

¿Os habéis planteado el salto al extranjero o es algo que queda muy lejos?

Toni: Es tan fácil como llegar de aquí a Soria, haces unos pocos kilómetros más y llegas a Teruel. Si llegas a Teruel llegas a Cataluña, de allí puedes tocar en el sur de Francia y desde ahí, a lo mejor tocas en París, Bélgica…

Senén: Yo no lo veo tan lejos. De hecho hay contactos por ahí fuera como para salir. No tenemos too el tiempo que queremos y que necesitaríamos porque, evidentemente, como no nos da beneficios hay que currar cada uno en lo que le toca entonces, no podemos ocuparnos todo el día de mirar fechas aquí y allá. Pero vamos que, todo se andará.

¿Ha tenido que ver la falta de tiempo en el retraso que ha sufrido la salida del disco? Primero se dijo que saldría el 30 de marzo, luego el 6 de abril y finalmente se puso a la venta el 20 de abril.

Toni: Desde aquí queremos pedir disculpas por ello a todos los seguidores.

Joseph: No nos vamos a engañar porque todo ha sido un problema de dinero. Cuando trabajas más con el corazón que con la cartera, las cosas salen cuando pueden salir.

¿Cuáles son vuestros planes inmediatos? ¿Se paraliza la composición de temas o empezáis a pensar en el próximo disco?

Senén: A corto plazo los planes son cumplir con las fechas que tenemos cerradas y sacar más. Cerrar todos los conciertos que se puedan hasta octubre para que, a partir de otoño, tener una buena agenda de contactos para cerrar una buena gira.

Joseph: El tema de componer y todo eso lo estuvimos hablando hace poco y llegamos a la conclusión de que ponerse a ello ahora sería hacer otro disco igual a Nada Importa. Más de lo mismo. Sería algo así como “Todavía nada nos sigue importando” (risas) Nunca sabemos cómo será el próximo disco porque no lo planeamos, puede que sea de blues, de jotas (más risas), no hay nada escrito. No nos gusta tener una idea preconcebida de lo que vamos a hacer, ya veremos.

Y ya para terminar, ¿qué razón daríais a quién este leyendo esta entrevista para que compre el disco?

Joseph: (entre carcajadas) A parte de que somos muy guapos y cantamos muy bien… yo creo que es hora de que se dé cancha a los grupos nuevos. En España se hacen cosas que valen la pena como uVe, como Circus, como Moebio… Por eso, por conceder el beneficio de la duda a la gente que venimos empujando a otra. Yo creo que la música necesita un cambio generacional. En este país suele importar más los años que lleves tocando que la calidad de la música.
En Estados Unidos te sale un grupo que hace un disco increíble y pueden vivir de ello perfectamente. Aquí en España o sacas veinte discos y ya tienes canas, o toda tu vida vas a ser un grupo que empieza. Muchas veces pesan más el nombre y los años que la calidad de lo que se hace.

Toni: España es un país festivo que da pie a esto. Hablo de la música como entretenimiento más que como expresión artística como la pueden ver en países con una cultura menos mediterránea.
Yo diría que la razón para comprarlo es que les va a sorprender y les va a gustar, ¿por qué no?

Muchísimas gracias y mucha suerte con este nuevo trabajo.

Fotos y texto: Toñy Espada

Resumen contenido revista Popular-1 octubre 2010 | Musica Rock

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El veterano David Bowie, retorna a la portada de la revista Popular-1 después de mucho tiempo. En el interior, 22 páginas completan un exhaustivo reportaje que incluye su etapa dorada, su conexión con Marc Bolan, sus diversas colaboraciones con artistas como, Iggy Pop o Lou Reed y las grabaciones de sus trabajos más emblemáticos.

También destaca el amplio artículo dedicado Leadbelly y su accidentada vida, auténtica leyenda de la guitarra a quien Nirvana homenajearon en su Unplugged incluyendo una de sus composiciones, “Where Did You Sleep Last Night”.

Sorprendente y curiosa la entrevista que se dedica a quien fuera frontman de King Kobra y posteriormente componente de Unruly Child, Mark Free, ahora convertida en Marcie Free debido a un cambio de sexo y de vuelta a la música con los mencionados Unruly Child.

RESTO DEL CONTENIDO

NOTICIAS: The Gasoline Bros, Wanda Jackson, Mott The Hoople, Dio, Scott Weiland, Mike Portnoy, Steve Lukather, Uriah Heep, Ted Nugent, John Corabi, Bret Michaels, Joe Elliot, Rhino Bucket, Helix, Nikki Six, Diamond Dogs, Bob Dylan, Great White, Buffalo Springfield, John Mellencamp, The Kill Devil Hills, Queen, Dan Baird, Andre Williams.

ENTREVISTAS: Uriah Heep, Jackie Greene, The Cubical, Joe Bonamassa, Ice Cube, The Zombies, Micki Free, Avenged Sevenfold, The Bowers, Andre Williams, The Brew, The Experimental Blues Band, Eilen Jewell, Michael Kiske.

CRITICAS: Disco del Mes: No Better Than This (John Mellencamp); Black Moutain, Brian Wilson, Valient Thorr, Black Country Communion, Robert Plant, Gov’t Mule, American Bang, Grinderman, Lissie, Rock City Angels, Avenged Sevenfold, Los Lobos, Richard Thompson, The Soulbreaker Company, Linkin Park, Mumford And Sons, Mile Train, Jim Jones Revue, Taddy Porter, Oath, Crippled Black Phoenix, Stone Foxes, Chatham County Line, Siniestro Total, Willie Nile, Cindy Lauper, Seven The Hardway, Glen Matlock & The Philistines, The Mystaken, The Jon Spencer Blues Explosion, Kreator, Terra Nova, The Soul Movers, Lynam, Peter Pan Speedrock, Creep Show, Beehoover.

CONCIERTOS: Hank III (Nueva York), Iron Maiden + Edguy, Limp Bizkit, Supertramp, Manowar.

Diamond Dogs – Set Fire To It All (2012) | Musica Rock

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Hace poco más de un año Diamond Dogs sacaban The Grit & The Very Soul, un gran trabajo que incluso fue elegido en Musicópolis como mejor disco del año 2011. Pero aquel disco tenía un formato más acústico y folk que posiblemente desconcertó a muchos de los aficionados al sonido de Sulo y amigos. Pues bien señores, Diamond Dogs han vuelto al rock & roll o el espíritu de The Faces ha vuelto a Diamond Dogs. No importa cómo lo llamemos, porque la cuestión es que este Set Fire To It All suena muy pero que muy bien y además tuvimos la oportunidad de comprobarlo en directo en su reciente paso por nuestro país para presentarlo.

Para los más acérrimos hay que decir que la formación es: Sulo, Henrik “Duke of Honk” Widén, Magic Gunnarsson al saxo, Fredrik Fagerlund y Lars Karlsson en las guitarras, el bajista Martin Tronsson y Johannes Drain en la batería. Además, han contado con la colaboración de Spike (Quireboys), Ryan Roxie (Alice Cooper), Danny Bowes (Thunder) y Dan Baird (Georgia Satellites), entre otros.

On The Sunny Side Again ya parece avisarnos desde el principio de este regreso y no sólo por ese magnífico comienzo a cargo de “Duke of Honk” Widén, sino también por una letra que nos cuenta que están de nuevo en el “lado soleado”. Y así es, porque gran parte de la placidez y el sosiego de su anterior álbum ha quedado aparcado para dar paso a la fiesta que muchos echaban de menos. Ese optimismo desbordante está completamente visible en el tema que da título al disco, que tiene uno de esos estribillos dignos de ser coreados a toda voz con la ventanilla del coche abierta y que además es con la que han abierto los conciertos en su reciente gira por España. Y esta sensación continúa con la frenética Scars And Emblems, Sweethearts For Christmas y, sobre todo, Lay Me Down On Solid Grown, uno de los mejores temas de todo el álbum.

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La parte acústica no ha desaparecido del todo y podemos encontrar algunas pequeñas maravillas como Mad Let The Mad Dog Run, con un cierto toque a los momentos más divertidos del Abbey Road, o Nothing Can Change This Love, que recupera el espíritu de las baladas de los años 50 de gente como Fats Domino o Etta James. Incluso se han permitido incluir un tema completamente instrumental, donde las guitarras adquieren casi todo el protagonismo y con un título que bien podría servir para describir parte de la situación actual: Bad But Not Ruined.

Set Fire To It All es un trabajo para disfrutar y no pensar demasiado si es mejor o peor que los clásicos de la banda. Porque cuando uno se dedica a hacer rock & roll el único fin que debe perseguir es precisamente ese: hacer que la gente lo pase bien. Volvamos o no una y otra vez a sus antiguos discos, este es el momento de Set Fire To It All, así que disfrutémoslo.

Entrevista a Steve Lukather | Musica Rock

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“Tengo mucho dolor, pero tengo que vivir con él y superarlo a través de la música.”

Steve Lukather es uno de los guitarristas más respetados de la industria. Tanto al frente de Toto como en innumerables colaboraciones siempre ha demostrado su calidad y su versatilidad. Con un nuevo álbum en solitario bajo el brazo se presentó en Madrid donde, entre numerosos cambios de humor, nos habló sobre la gestación de All’s Well That Ends Well (Mascot, 2010), su agitada vida personal, Toto y muchas cosas más.

Hola Steve, ¿qué tal te ha ido en las radios? (ndr: Lukather acude a nuestra cita después de ser entrevistado en varios programas de radio), ¿has hecho algún acústico?

(Indignado) Si fuera James Taylor sí que haría acusticos, pero mi música trata de hacer grandes producciones, un acústico no haría justicia a las canciones. ¡Por eso me paso 6 meses haciendo un disco!. En directo sí que hago cosas en acústico, pero con toda mi gente detrás. Para la promoción hago de todo, pero nunca actuaciones acústicas para que un millón de personas me oigan como si estuviera recién salido de la ducha.

Tu nuevo disco se titula All’s Well That Ends Well, como una obra de Shakespeare, ¿tiene algo que ver o es sólo por el proverbio?

Trata sobre mi vida, he pasado momentos muy duros últimamente, mi madre murió, ¡ya no tengo a ninguno de mis padres!, mi matrimonio se ha roto con un bebé en camino, mi amigo Mike Porcaro está muy enfermo, paralizado en una silla de ruedas, han muerto un par de amigos muy cercanos… el disco se llama así porque espero que haya un final feliz para todo esto. Espero encontrar de nuevo una musa, un amor, pero ahora mismo estoy metido de lleno en el blues (ndr: se refiere al estado anímico, no al estilo musical). He sacado las canciones de mi vida, de mi corazón, por eso son tristes. (ndr: traen unas cervezas y Steve coge una, exultante) ¡Así me gusta, cerveza sin alcohol!, he dejado el alcohol para siempre, ¡hay que mantener el cuerpo limpio hermano!.

He encontrado mucha variedad en este disco, un estilo AOR pero quizá con guitarras más pesadas. Desde riff rockeros como en ‘Darkness in my World‘ hasta otros de aires funkies en ‘Flash in the Pan‘ y otros más blueseros en ‘Brodies‘. ¿Con qué estilo te sientes más cómodo o cuál es tu favorito?

Me gustan todos esos estilos de música, compongo música de la que escucho y desde 1964 hasta hoy tengo muchas cosas en la cabeza. Mis influencias son muy obvias, Jeff Beck, un poco de Beatles, Steely Dan, Hendrix, el rock melódico, Wayne Shorter… también me gusta el jazz. Lo único que no me gusta es la falta de originalidad, muchas canciones son jodidamente predecibles. Siempre intento variar el tipo de canciones para que el disco fluya y se deje escuchar.

La música sigue teniendo un gran parecido a Toto, creo que es normal si has estado toda tu vida componiendo en esa banda, ¿querrías estar totalmente alejado de ello o te gusta que suene así?

Bueno, ahora he colaborado con otra gente, estaban CJ Vanston y muchos otros que conmigo tenían diferentes sinergias y supongo que salen cosas diferentes. Por ejemplo, en Toto había mucho piano y en este disco no hay ninguna canción con piano. Me gusta el piano, pero ahora las cosas han salido así. Hemos trabajado con guitarras hasta las baladas.

¿Compones normalmente a partir de un piano o de una guitarra?

Depende, en casa tengo de todo, guitarras eléctricas, acústicas, pianos… me da lo mismo.

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Aparte de CJ Vanston, ¿quién más ha colaborado en la composición del disco?

CJ Vanston además de escribir coprodujo y mezcló el disco, en algunas canciones hice yo la letra y me ayudaron con la música. Luego están las instrumentales, que las hicimos toda la banda. La banda que ha grabado el disco es la misma que me acompaña en directo.

¿Qué colaboraciones has tenido en el disco?

Phil Collen de Def Leppard ha hecho coros, también Joseph Williams de Toto y Bernard Fowler de los Rolling Stones. Mi hijo Trevor ha metido guitarras. Trev ha tocado en directo tanto conmigo como con Toto y ahora está grabando un disco con su banda, hacen funk-rock.

En tu diario de grabación escribiste: “¡Tengo la mejor canción que haya escrito nunca!”, ¿a cuál te referías?

Don’t Say It’s Over‘, cuando la compuse me puse muy contento, creo que tiene los cambios de acordes más interesantes, es una balada pero tiene una sección en medio con muchos cambios. Es una historia de corazones rotos, hablo de mi matrimonio.

Este es el primer disco que sacas con Mascot, una compañía europea (holandesa) y no americana. ¿Por qué la elegiste?

Estaba bastante descontento con la anterior compañía, no trabajaron bien conmigo. Joe Bonamassa, que es un gran amigo y guitarrista, y Fabrizio Grossi me hablaron de este sello y enseguida tuve un contrato. Me trataron muy bien, me apoyaron 100 millones de veces más que Sony Records. Además tienen un catálogo ecléctico con muchos músicos buenos y me gusta formar parte de él. Mascot lanzará el disco en todo el mundo.

En enero escribías: “Espero seguir mucho tiempo con este sentimiento renovado de pasión por la música”, ¿sigues sintiéndote así?

Había vuelto a tocar la guitarra y me sentía muy bien. Ahora me siento fuerte, mi voz está mejor porque dejé de fumar, he dejado mis malos hábitos y me cuido. No quería ahogar mis penas en alcohol como hace todo el mundo, tengo mucho dolor, pero tengo que vivir con él y superarlo a través de la música.

¿Qué tal fue la gira con Toto este verano?, ¿sigue en pie lanzar en 2011 un DVD en directo de vuestro concierto en Dinamarca?

Hicimos algunas fechas por Mike Porcaro (ndr: el bajista de Toto tiene esclerosis lateral amiotrófica), somos amigos desde hace muchísimos años (suspira), Nathan East tocó en su lugar y además Joseph Williams tenía de nuevo una gran voz. Ahora estamos mezclando el disco y saldrá en el primer trimestre de 2011. Fue estupendo y hubo mucho éxito pero no haremos otro disco juntos.

¿como está Mike ahora?

(Afectado) Mal, muy mal. Estoy muy preocupado, es horrible verle así. Además cuatro de la banda nos estamos divorciando y los divorcios son caros, ha sido un año jodidamente duro.

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Te recibe igual de bien el publico cuando vas en solitario que cuando ibas con Toto?

Bueno, a mis conciertos vienen mil personas pero con Toto llenamos estadios de 25000 en festivales, así que simplemente son diferentes. Ya no podemos hacer largos tours con Toto, Joseph Williams no puede físicamente.

¿Qué expectativas tienes para la gira que vas a hacer para promocionar este disco?, ¿habrá fechas en España?

En febrero, marzo y abril estaré liado con toda la gira e iré a Japón, además tengo otro proyecto para enero, pero vendré a España en cuanto pueda.

Un guitarrista de tanta experiencia como tú, ¿sigue ensayando a diario en casa para mejorar?

Ya no toco 14 horas al día porque sería muy cansado. Tampoco es que vaya mucho de fiesta, suelo estar en casa trabajando a través de internet, viajando, con mis hijos… pero bueno, siempre que puedo practico, nunca seré el guitarrista más rápido pero intento encontrar nuevas maneras de tocar para no repetirme y así ampliar mi vocabulario musical. Me gusta tocar, ¡¡¡tengo unas ganas de que empiece la gira!!! (grita bien alto).

Tú eres de esos a quién la gente admira y quiere imitar, pero ¿a quién admira Steve Lukather? antes has hablado de Joe Bonamassa.

Si, Joe es el mejor de la nueva hornada. Depende del tipo de música, pero hay muchos guitarristas muy buenos.

Tú sigues colaborando con otros artistas, ¿cuántas peticiones sueles tener al mes y cómo eliges las que te gustan?

He tocado en cientos de discos en los últimos 35 años, imagínate. No recuerdo cuál fue la última, con unos tipos suecos, creo.

Una de las pocas críticas “negativas” que he leído sobre ti es que tu música es muy suave, muy para adultos, ¿no te interesa el público mas joven?

(Visiblemente enfadado) No soy un interprete de metal, no soy Zakk Wylde, tengo que ser yo mismo. Puedo tocar lo que hacen ellos y a la vez ser más melódico. Puede que sea viejo y no toque rápido pero este disco es la mejor representación de lo que soy como músico y la gente cree que está genial, pero no puedo contentar a todo el mundo. Esa es gente cerrada, a la que no le pueden gustar a la vez Miles Davis y Slipknot.

All’s Well That Ends Well sale a la venta el próximo 11 de octubre.

Texto: pointer / Lola Hierro

Scott Weiland & Wildabouts: Blaster (2015) | Musica Rock

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El que fuera polémico vocalista de Stone Temple Pilots durante la época dorada del grunge, Scott Weiland, inicia una nueva etapa en su carrera después de su paso por Velvet Revolver y de haber publicado un par de álbumes como artista en solitario.

En esta ocasión, Weiland ha unido fuerzas junto a The Wildabouts, banda integrada por Jeremy Brown (guitarra), Tommy Black (bajo) y Danny Thompson (batería).

A pesar de su difícil carácter y de sus etapas con problemas de adicción, Scott Weiland sigue contando con una imaginativa capacidad para componer canciones como las que integran Blaster, todas escritas por él, exceptuando el clásico de T. Rex “20th Century Boy” obra de su líder Marc Bolan.

Además, Scott conserva algo esencial, un particular registro vocal que marca distancias y le permite mantener una seña de identidad inigualable. Con esta principal premisa y arropado por músicos competentes el vocalista desarrolla su creatividad de forma ecléctica para abarcar una serie de texturas de amplios horizontes donde las fronteras estilísticas quedan difuminadas.

De esta forma, Blaster no pierde la perspectiva con respecto al pasado de Weiland con temas como “Modzilla”, muy cercano a Alice In Chains o “Bleed Out”, una auténtica fusión de Nirvana y Stone Temple Pilots.

Sin duda la presencia del mencionado tema de T. Rex no es gratuita porque el álbum tiene trazos de glam setentero como se puede descubrir, sobre todo, en “Way She Moves” y, más soterradamente, en “White Lighning”, un momento del álbum de especial mención con su ritmo marcado, su determinante guitarra y su plus de groove incorporado.

Otras canciones como “Hotel Rio”, “Amethyst” y “Blue Eyes” se sumergen en el rock básico, aunque dotadas de una instrumentación rugosa y el reconocido tono vocal de Scott, adquieren una dimensión singular que las aparta de la mediocridad.

Ya en el tramo final del álbum, temas como “Youth Quake”, “Beach Pop” y “Parachute”, aún teniendo su encanto, no resultan tan eficaces.

Por supuesto, escuchar la versión de “20th Century Boy” es toda una gozada y, ya en la despedida, Scott nos sorprende con una sugestiva balada en clave country como para demostrar que no hay estilo que se le resista.

CALIFICACION: 7,25/10

GRUPO: Scott Weiland & The Wildabouts
TITULO: Blaster
DISCOGRAFICA: earMusic
AÑO: 2015
PAIS: Estados Unidos

CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

Resumen contenido revista Popular-1 (Abril 2015) | Musica Rock

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La edición de abril de Popular-1 dedica su portada a Mark Lanegan, a quien se realiza en páginas ineriores un extensa entrevista en exclusiva en la que comenta entre otras cosas que de momento no entra en sus planes revivir Screaming Trees; se adjunta discografía comentada

En otros artículos…

Homenaje al reconocido periodista musical Jordi Tardá, fallecido recientemente

Entrevista a Ann Wilson de Heart, incluyendo discografía comentada.

RESTO DEL CONTENIDO

NOTICIAS: The Throbs, Shooter, My Morning Jacket, Mike Porcaro, A. J. Pero, Mick Thompson (Slipknot), Crashdiet, Rob Halford, Blues Traveler, Armored Saints…

CONCIERTOS: Johnny Kaplan & The Lazy Stars, Afghan Whigs, Trogloditas & Golden Grahams, Rafa Pons, Band Of Skulls (Barcelona); Burning (Vigo); Ryan Adams (Wolverhampton).

ENTREVISTAS: Devin Townsend, Brian Wilson, Robert Jon & The Wreck, The Brew, Brother Hawk, Eli “Paperboy” Red, Little Hurricane, J.P. harris & The Tough Choices, Duke Garwood, Javier Vargas, Brad Smith (Blind Melon), Atomic Boy Blues, Jorge Salán

TAMBIEN SE HABLA DE… Izzy Cox, Sidewalk Driver, Melechesh, Switchblade Jesus, además de incluir las habituales secciones de Mondo Video, Discos, DVD’s y Correo del Popu.

Libros: Música o nada. Del walkman a Spotify, una historia de amor | Musica Rock

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Sentimientos encontrados me atenazan una vez terminada de leer la página ciento cuarenta y cuatro de este libro, su hoja final. Miento, este estado de duda ya comenzó a incordiarme tras finiquitar el capítulo que su autor, Eduardo Verdú, ha titulado cual “El Flechazo”. Me explico. La primera impresión y el encanto que emanaba Música o Nada para mí, como enamorado del pentagrama y coleccionista irredento que me siento, fue esa promesa de repasar desde los 70 hasta la actualidad la relación que hemos tenido los amantes del pop y el rock nacidos en dicha década con la evolución de la música en sí. El preguntarnos cómo nos influyeron nuestros padres, la radio, la televisión, nuestros amigos; el narrar nuestro paso por las tiendas de discos, esas odiseas de juventud cuando quieres adquirir discos y más discos, con el único afán de descubrir otras sensaciones que sigan revitalizando tu vida… Pero, desde el principio de este ensayo, y sin el menor miramiento, Verdú tiende a un pecado en el que han incurrido medios de información cultural como el EP3 o diversas publicaciones y revistas de “vanguardia” –por tildarlas de alguna manera– del nuevo milenio: sentar cátedra ofreciendo una opción y utilizando la primera persona del plural para meternos en el puchero a toda una generación.

Tal vez, y repasando recuerdos, tanto míos como de mis compañeros de escuela, mis vecinos del barrio o, incluso, de amistades que han llegado a mi vida años después, pero que crecieron en los mismos años que nos tocó transitar tanto a Eduardo como al que esto escribe, lo que primero llame mi atención es ese simplón resumen de la herencia musical dejada por nuestros progenitores. Tiene razón cuando subraya que el hijo es el heredero o víctima de los discos de sus padres, de lo que había por casa cuando se era infante. Ahora bien, condicionar la creencia queriendo confirmar un hecho que no lo fue comentando: «Pocos tuvimos la suerte de disfrutar de algo más refinado que Los Llopis, Fórmula V o Juan Pardo». En fin, más allá de mis elogios a Los Llopis –banda a reivindicar, como bien ha hecho el sello nacional Rama Lama–, que alegraron mi infancia y las de no pocos chavales con sus cachondas y bien ejecutadas revisiones de clásicos del rock and roll norteamericano –desde aquellos días no se me han podido despegar del cerebro sus letras; lo que demuestra el amor que se atesora a lo adorado en los primeros años de raciocinio–, remarcar el valor de las colecciones que nuestros patriarcas del vinilo nos dejaron, y no precisamente a un núcleo reducido.

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Uno podía ir ganando años mientras le asustaban a la par que maravillaban desde el tocadiscos regente en el salón familiar las atmósferas que Jeff Wayne ejecutaba con una superbanda en su revisión musicada de La Guerra De Los Mundos; levantarse un sábado por la mañana, bien temprano, y hallar a su padre trasteando con un extraña canción de nombre ‘L’America’ de unos tal The Doors o encontrar en el armario de los LPs uno de los primeros trabajos de los impasibles germanos Kraftwerk. The Fab Four fueron, como dirían The Monkees, esos “the four kings of EMI” que nos calentaban los domingos de EGB con sus melodías irreprochables. De pronto, salía de mi casa, visitaba la de algún colega de estudios y allí aparecían, como sacados de la cueva de Alí Babá, el Concerto For Group And Orchesta de Deep Purple o el álbum completo de In-A-Gadda-Da-vida (Iron Butterfly), entre sencillos de Free, Sally Oldfield o Mungo Jerry. Era, sin lugar a dudas, un no parar, pues llegábamos a la vida tras dos decenios que lo habían representado todo en cuanto a pop y rock se refiere. Verdú, sin embargo, parece querernos pintar como los primeros buceadores que realizaron un inmersión sincera en aquel océano, cuando una década antes ya tenía Ángel Álvarez (el creador y maestro de ceremonias de Caravana Musical) un fiel y entregado grupo de melómanos que escuchaban, que buscaban, que se emocionaban o disfrutaban con un universo prohibido o desconocido aterrizado de Londres y Estados Unidos.

Se empecina en hacernos creer que aquella generación, la nuestra, se derritió, todos a una, por Nirvana, Oasis o Blur, según nos los trajera el viento de las listas. Marca de esta manera un “borreguismo” al que únicamente se le halla sentido si su meta postrera es la de analizar los cambios en los sonidos imperantes, dictados por las fórmulas radiofónicas, a finales de los años 80 y durante los 90. A lo que hay que sumar ese machismo, no poco habitual en algunos consumidores de música, que reza aquello de: las chicas sí, pero menos. Ese invento de que a las chicas no les puede gustar la música a alto volumen, que por lo general prefieren a Björk que las guitarras chirriantes, y eso si es que son capaces de sentirse atraídas por la música. Paparruchas, salutaciones retrógradas a un género masculino que igualmente tiene entre sus filas a personas que no sabrían acertar a la hora de colocar a George Harrison en los Beatles o dentro de las filas de los Rolling Stones. La mujer, y precisamente más en la generación a la que intenta retratar este escritor, ha acariciado y sublimado el disfrute de la música a nuestro mismo nivel siempre que se ha sentido cercana a la misma, como le ha pasado al género masculino. Otra cosa es que las relaciones personales de Verdú se sucediesen con escuchantes en lugar de oyentes; pero, si es así, que no las utilice para dibujar un marco alrededor de nuestras cabezas.

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Y aunque hay momentos para la emoción, además de proponer una idea muy atractiva, se me hace de supina importancia el conocer el medio del que se va a hablar. «Esto no es realmente un libro sobre música, sino sobre gente que escucha música», dice Eduardo Verdú; enhorabuena, ahora sólo falta saber de esa música tanto como de sensaciones. Dejemos algo cristalino ahora mismo: que no sea “un libro sobre música” no le excusa de cometer garrafales errores a la hora de catalogarla o situar a cada uno en su sitio y posición. Que sí, que las pegatinas para la música son odiosas, que patatín y patatán, pero si se usan hay que saber correctamente lo que catalogan. Decir que adult oriented rock es Don McLean es como encajonar a Sting en la escena de la New Wave Of British Heavy Metal. El desconocimiento de lo que significaba y la clase de grupos que aglutinaba el conocido de forma común cual AOR no es la primera vez que confunde a alguien que no lo ha consumido; Survivor, Journey, Drive, She Said, Robin Beck, Romeo’s Daughter, Shout, Fate, Foreigner… pero, ¿McLean? Un magnífico compositor y cantante, de acuerdo, aun así a mares vista de esta corriente. Tan metedura de pata como hablar de La Frontera y revestirlo de grupo que apuesta por la “seriedad country”. ¡Pero si lo que influyó a su rock and roll especial y primario fueron las bandas sonoras que pergeñaba Ennio Morricone para los spaghetti western de Sergio Leone! ¡Pero si en su primer vinilo reverenciaban a Elvis con un repaso al ‘Viva Las Vegas’! ¡Pero si se han movido hasta por historias de bandoleros! Eso por no extenderme en sus olvidos en cuanto al nacimiento y proliferación de los girls groups, desde finales de los 50 a su reinado en la década siguiente, queriendo el autor hacernos ver que en los 80 fue cuando la mujer toma único protagonismo y valor en la música.

Repito que como concepto de libro, como bombilla que se enciende, es incuestionable su valía; ahora bien, un ensayo de este tipo, a no ser que se busque capturar las diferentes perspectivas del comprador y oyente de discos, es mejor que se relate en primera persona del singular y limitándose –visto lo visto capítulo a capítulo– a la hora de esbozar disciplinas dentro de lo que se oye o compra. Casi hubiese sido mejor un totum revolutum que este querer enhebrar la aguja. Las sensaciones y los sentimientos seguro que serán compartidos por muchos de los lectores que se acerquen a Música o Nada –yo mismo lo hago–, pero luego no se puede salir de la habitación para hacer un apunte de la realidad musical sin tener bien ordenadas las ideas y los conceptos.

TÍTULO: Música o nada. Del walkman a Spotify, una historia de amor. AUTOR: Eduardo Verdú.

EDITORIAL: Milenio.

Tugurios del Rock IV: Max’s Kansas City, Nueva York | Musica Rock

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Después de pasar por Londres, ciudad a la que prometemos regresar, Sidney y Detroit, nos vamos a detener en nuestra saga de Tugurios del Rock en la ciudad que nunca duerme. Y antes de hablar del CBGB’s, que sabemos que lo estáis deseando, nos vamos a parar en otro antro que abrió antes sus puertas: Max’s Kansas City. Un tugurio muy ‘arty’ ubicado en el 213 de Park Avenue South, New York City.

Mickey Ruskin fue la persona que abrió las puertas del Max’s Kansas City en diciembre de 1965. Y, a pesar del nombre, Ruskin no tenía ninguna conexión con Kansas City, sino que era de New Jersey. Sin embargo, el origen del nombre del establecimiento neoyorquino nunca ha quedado claro. Circulan varias versiones.

Una de ellas es que fue el poeta Joel Oppenheimer el que sugirió la denominación a Ruskin. Otra está relacionada con un tipo de chuletón -Kansas City Cut- que se servía en gran parte de los restaurantes del país, siendo uno de los platos más famosos de cualquier menú. Y es que, originalmente, el Max’s Kansas City nació como un restaurante.

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Punto de encuentro artístico
Desde su inauguración en diciembre de 1965, Max’s atrajo a muchos artistas de muy diversos campos, desde el cine a la escultura pasando por la literatura o la pintura. Entre la nómina de artistas habituales figuraron: John Chamberlain, Dan Graham, Brigid Berlin, Larry Poons, Phillip Jonhson, Robert Hughes, …

Los locales que he regentado siempre han sido como mi cuarto de estar y todas las noches se convertían en una fiesta. Ése ha sido siempre su gran valor, pero Max’s pasó de un pequeño salón a convertirse en algo mágico”, afirmó en el pasado el propio Raskin.

Mel Brooks
explicó que “Bily Wilder acostumbraba a hablarme sobre los cafés de Viena, Max’s era algo parecido para mí. Nunca he conocido otro lugar en el que puedas conversar con escritores, actores, artistas, gitanos errantes, …

La publicista Myra Friedman dice de Max’s que era “mucho más que un imán para el sexo y las drogas. Era un punto de reunión único en la tierra y la gente podía permanecer allí durante horas y horas… Me parece como el último grito de la bohemia americana auténtica”.

Llegan Warhol y el glam
Si hablamos de artistas, de Nueva York y de finales de los años 60, inevitablemente tenemos que hablar de Andy Warhol, cuyo séquito también cayó seducido por el encantador ambiente cultural de Max’s, especialmente desde que Factory se trasladó a las inmediaciones del club. De hecho, The Velvet Underground ofrecieron su última actuación en este recinto de la Gran Manzana.

A comienzos de la década de los años 70, Max’s se convirtió en el hogar del glam rock, movimiento de mínimo recorrido en Nueva York. Comenzó a ser visitado por muchos músicos, a Lou Reed se le unieron David Bowie, Iggy Pop, Mick Jagger, Patti Smith, Johnny Thunders y el resto de los Dolls… e incluso, una tal Debbie Harrie estuvo una temporada detrás de la barra del Max’s, ejerciendo como camarera.

Bowie comenzó a marcar la moda de los músicos de Nueva York… Y no sólo en lo puramente musical, como recuerda Ms. Buell. “Si Bowie se presentaba sólo con una ceja, todos al día siguiente se afeitaban una. Una noche, los Dolls lograron impactarnos con sus pintas. Johnny [Thunders] parecía una mujer, incluso llevaba medias en los brazos”.

Yo era una especie de vampiro social. Dormía hasta las 7 de la tarde, después veía la televisión hasta la medianoche, salía, iba a Max’s y volvía cuando estaba amaneciendo. Probablemente sobreviví gracias a la comida de Mickey [Ruskin]. Me encantaba y me encantaba porque mis amigos estaban allí. Iggy estaba allí, Bowie estaba allí, los Dolls estaban allí… Mickey nos trataba muy bien”, afirma Alice Cooper.

Estos años fueron de gran auge para el Max’s Kansas City. Su popularidad era tremenda tanto en los ambientes culturales como en los musicales y en sus dependencias se sucedieron conciertos históricos. Y no sólo hablamos de las histriónicas actuaciones de Iggy con sus Stooges.

Durante el verano de 1972, Springsteen acostubró a hacer conciertos acústicos acompañado de su guitarra; los primeros conciertos en Nueva York de Aerosmith fueron en el Max’s, de hecho, su fichaje por Columbia se gestó allí; o la presentación internacional de Bob Marley & The Wailers también se desarrolló en este club neoyorquino.

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Max’s II: La generación punk
Actuaciones musicales que también sirvieron para que se gestase una nueva hornada de músicos y bandas locales. A principios de los 70′s, con el Max’s en plena ebullición, sólo estaban los Dolls, posteriormente llegarían Ramones, Patti Smith, Blondie, Richard Hell, Fleshtones,…

Una nueva generación que tuvo que hacerse mayor tocando en otro escenario diferente al de Max’s original ya que éste cerró sus puertas en diciembre de 1974. Posteriormente, en 1975, se abriría un Max’s II, aunque bajo la propiedad de Tommy Dean Mills, que quería abrir un local nocturno que aprovechase el auge de la música disco.

Sin embargo, Peter Crowley comenzó a programar conciertos en el nuevo Max’s. Era un promotor que ya estaba trabajando con las primeras bandas punk de la ciudad, a quienes organizaba conciertos tanto en el CBGB como en Mothers, un bar gay en la calle 23.

Con la llegada de Crowley, el nuevo Max’s no sucumbió al fenómeno de la música disco y se convirtió en otro de los antros de la ciudad donde las bandas punk y new wave locales demostraron su talento. Y también otras muchas de fuera de la ciudad como, por ejemplo, Devo.

El Max’s II estuvo abierto hasta noviembre de 1981, cuando cerró sus puertas víctima del declive del punk y de la nueva ola. Posteriormente, en enero de 1998, abrió un Max’s III, también propiedad de Mills, pero su existencia fue efímera ya que la hija de Raskin, Yvone, impidió el uso de la marca Max’s Kansas City.

Playlist:

01 – Reportaje sobre Max’s Kansas City (en inglés). 02 – The Velvet Underground en directo en el Max’s. 03 – Bruce Springsteen: “Growing Up” (1973). 04 – New York Dolls: concierto en el Max’s (1973) 05 – Bob Marley and The Wailers: “Don’t Rock My Boat” (audio de 1973). 06 – Johnny Thunders: “Chinese Rocks”. 07 – Ramones: “Listen to my Heart”. 08 – The Fast: “Boys Will Be Boys” (1977). 09 – Devo: “Smart Patrol” (1977) 10 – The Fast & Jane County: “Max’s Kansas City” (1979) 11 – Misfits: Live at MKC (audio)

12 – Gram Parsons: “A Song for You”

Royal Blood – La Riviera, Madrid – 1/04/2015 | Musica Rock

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Resulta curioso ver cómo los conciertos se llenan de público disfrazado de los artistas que van a ver, formando una conexión que va más allá de lo puramente musical. Entre chaquetas de cuero y gorras, Mike Kerr y Ben Thatcher salían a matar en La Riviera madrileña con actitud de estrellas de rock. Una banda de dos integrantes, sin músicos de apoyo en directo, con solo un disco, sin guitarras, teloneros de Arctic Monkeys, apadrinados por Dave Grohl y aplaudidos por iconos como Jimmy Page: si lo de Royal Blood no estaba ya predestinado por las leyes de petarlo, se sumaba la cancelación de sus dos directos en España el pasado noviembre. El mito de los ingleses crece como la espuma, y los hemos pillado en el momento justo para poder presumir dentro de unos meses: “Yo vi a Royal Blood antes del baño de masas de Wembley en junio de 2015.” Lo mismo podrán hacer los que alucinaron con ellos en la última edición del Dcode.

Agresivos, chulos, con actitud de llevar tocando más años de los que tienen y con un espectáculo aparentemente sobrio que acaba explotando en efectista. Los de Matt Bellamy y su épica de arena han plantado bien esa semilla en las bandas emergentes, y mientras desgranaban su debut homónimo, los paneles luminosos volvían loco el sold out de la sala. “Me flipan los músicos que consiguen hacer chillar un bajo”, decía alguien a mi lado. Lo que hace Mike Kerr con su tapping desquiciado, sus distorsiones y escalas duplicadas es digno de disfrutar en directo. Sobre las tablas, Thatcher toca los platos prácticamente de pie, bebe mucha cerveza y hasta coge la muleta de un chico del público y finge dispararnos a todos con ella.

Suenan pesados, potentes y adictivos. La fórmula que manejan combina rock, blues, garage y rock con melodías vocales más blandas e incluso poperas. Aptos para oídos masivos y una gozada para los ojos como dúo que sabe cómo ejecutar un show que es un caramelo, aunque les falten tablas. A ratos Muse, a ratos Queens of the Stone Age, a ratos Tool, a ratos con toque Jack White; “Come On Over”, “Careless”, “Better Strangers” o “Figure It Out” se suceden entre jaleos y meneos de cabeza, “Ten Tonne Skeleton” es para mí la joya de la velada, una animalada que podría ser de los primeros Mastodon, y el mal rollo de “Out of the Black” cierra los escasos setenta minutos de actuación con un pequeño encore para echar los últimos vítores. Se olvidan de versiones para rellenar y se centran en ese estilo que tan bien pulido tienen, trallazo tras trallazo y sin necesidad de la balada de turno.

Los británicos siguen su carrera meteórica consagrándose con una propuesta enérgica y, dentro de muy poco, masiva; subiéndose a los bafles y sujetando ese bajo infernal por encima de sus cabezas. Barcelona y Madrid ya se han caído a su paso.

Texto: azulcorrosivo

 

Resumen contenido Popular-1 septiembre 2011 | Musica Rock

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Axl Rose

ocupa la portada de la edición de septiembre de Popular-1; en páginas interiores, la revista dedica un extenso artículo a repasar la trayectoria de Guns N’Roses desde 1991, año del lanzamiento del cuádruple álbum Use Your Illusion I & II, que supuso el principio del fin para la formación de Los Angeles.

En otro artículo retrospectivo, Popular-1 recuerda el lanzamiento de Nevermind, álbum de Nirvana que cumple su 20 aniversario en 2011 y que catapultó hacia el estrellato definitivo al grupo liderado por Kurt Cobain y que acabó siendo una de las pieza básicas del grunge.

Además, se adjunta la segunda entrega dedicada al sexo en sus vertientes más estrafalarias y escandalosas en la popular sección No Me Judas Satanás.

RESTO DEL CONTENIDO

NOTICIAS: Hank Williams, The Who, Ozzy Osbourne, Van Halen, DoogieWhite, Stryper, Velvet Revolver, Mike Portnoy, Steve Hackett, Dave Mustaine, Testament, Tygers Of Pan Tang, Biohazard, Gallows, Kyuss, Glyder, The Bluefields, Ministry, The Delta Saints, Marah, Supagroup.

CONCIERTOS: Finisterrae Festival (A Coruña), Los Suaves (A Coruña), Eric Burdon & The Animals (San Javier), Bob Wayne+Boothy Hunters (Barcelona), Judas Priest+Motorhead+Saxon (Barcelona), Marky Ramone (Barcelona), Bon Jovi (Barcelona), BB King (Girona).

ENTREVISTAS: Phil Varone, Adrian Vandenberg, Barrence Whitfield & The Savages, Sebastian Bach, Warrant, Whiskey Myers, Nick Curran, Today Is The Day, Gary Bennett, Zeke, Ramoncín, Mocs & Cucs, Faèrica, La Bruja Roja, Zoé, Wilside.

CRITICAS: Disco del Mes: Last Words: The Final Recordings (Screaming Trees). Jhn Hiatt, Bad Company, Jimbo Mathus, Thurston Moore, Yes, Bon Iver, The Brew, Airrace, George Thorogood, John Wetton, Jeff Healey, América, Fair To Midland, Old Californio, La Banda Del Yuyu, Fozzy, Biffy Clyro, The Inductions, Theater Of Tragedy, Pompei Nights. Reediciones: Nirvana, Megadeth, Pink Floyd.

TAMBIEN SE HABLA DE… Down & Dirty, Timothy Nelson & The Infidels, Mama Tokus & The Sons Of The Bitches, Crankshatft And The Gear Grinder, Phil Soussan, Johnny Winter.