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Tugurios del rock III: The Grande Ballroom, Detroit | Musica Rock

En 2008, con la crisis actual en plena explosión, salió un informe en el que se señalaba que el 40% de las casas del área metropolitana de la ciudad de Detroit estaban desocupadas. Un dato que refleja el brutal impacto que la crisis económica está teniendo sobre los fabricantes de coches, cuyas factorías mayoritariamente se concentran en los alrededores de Detroit y en el estado de Michigan.

Uno de esos locales deshabitados se encuentra en el 8952 de Grand River Avenue en Detroit, Michigan. Fue diseñado por el arquitecto Charles N. Agree en 1928 y se convirtió en uno de los salones de baile más populares de Motor City Town. Hasta la década de los años 60, The Grande Ballroom fue el hogar de las grandes big bands de jazz y posteriormente, del rock and roll.

Su historia iba a cambiar en 1966, cuando Russ Gibb –profesor y DJ radiofónico- se iba a hacer con su propiedad, a razón de 300 dólares semanales, con la sana intención de crear en Detroit un espacio similar al Filmore Theatre de San Francisco. Un recinto donde poder programar a todas esas bandas que estaban revolucionando el rock and roll de los 60’s y, especialmente, a grupos psicodélicos.

Gibb se puso manos a la obra y reclamó los servicios de John Sinclair, poeta, manager de MC5, líder del White Panther Party, activista contracultural y militante socialista, para comenzar a programar grupos en The Grande Ballroom. Él lo único que quería era “ganar algo de dinero”.

Era un lugar increíble para tocar”, explica Al Jacquez, vocalista de Savage Grace. “Recuerdo que el sonido rebotaba mucho en la parte trasera. También recuerdo a Dave Miller, que se encargaba de anunciar a los grupos. La audiencia en los conciertos era muy grande, había todo un mar de asistentes de edades muy diferentes. Las personas que acudían también eran muy diversas, había muchachas, chavales con el pelo largo, otros con el pelo corto, otros que vestían como los hippies… Habían quien venía sólo con una camiseta y unos vaqueros.. Pero, sobre todo, recuerdo la alegría en los rostros de la gente”, señala.

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El Grande estaba concebido como un lugar para acoger actuaciones acústicas, no eléctricas, y tenía una decoración “hispano-marroquí” –según palabras de Wayne Kramer-. “La sala estaba llena de mesas para poder escuchar a las bandas sentado aunque también había otro lugar para bailar”. Pero era un sitio suficientemente amplio como para acoger audiencias respetables, como las 1.500 personas que se dieron cita en los dos shows en los que se registró Kick Out the Jams de MC5.

Llega el rock and roll
La noche del 7 de octubre de 1966, el Grande abrió sus puertas a la cultura del rock and roll, lo que dio un gran empujón a la carrera de varias de las formaciones de Detroit y Michigan como, por ejemplo, MC5 o The Psychodelic Stooges –que no hace falta decir con qué nombre serían conocidos para la historia-. Aquél lejano 7 de octubre, MC5 y Choosen Few fueron los encargados de inaugurar el Grande.

Dennis Thompson, batería de MC5, recuerda que la audiencia de aquel día estaba compuesta por “chicos con el corte de pelo típico de Princetown, pero también vi los primeros ‘pelos largos’”

Durante los siguientes meses, el Grande programó semanalmente aquellas nuevas bandas compuestas por adolescentes que estaban muy influidos tanto por el R&B británico como por la psicodelia que se practicaba en California.

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El Grande se convirtió en el epicentro de la movida musical de Detroit durante los seis años siguientes. El escaparate de aquella Motor City Town que tan alejada estaba de la factoría de la joven América que Berry Gordy diseñaba y exportaba desde el cuartel de Motown.

Chicos blancos, adolescentes en su mayoría, procedentes de hogares desestructurados cuya gran preocupación era conseguir escaparse del reclutamiento de la Guerra del Vietnam y con ganas de encontrar su lugar en el mundo. Adolescentes a quienes les gustaba tocar alto y practica un furioso rock and roll que terminaría formando una denominación de origen.

MC5, los primeros residentes
Si uno repasa el archivo de conciertos celebrados en The Grande Ballroom desde octubre de 1966 hasta diciembre de 1972, cuando cerró sus puertas, puede comprobar que la primera banda residente, que actuaba prácticamente todas las semanas, fue MC5. El quinteto de Motor City cobraba por cada actuación 125 dólares.

A los ‘cinco de la ciudad del motor’ les fueron acompañando otros grupos de la zona, como los citados Choosen Few o The Prime Movers y The Wha. El Grande favoreció que las bandas locales tuvieran un escenario donde actuar, hasta entonces tenían que buscarse la vida actuando principalmente en las fiestas de las fraternidades universitarias de la zona.

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A pesar de que Gibb quería convertir el Grande en un epicentro del sonido flower-power, Detroit no era el lugar adecuado para hacerlo. Iggy Pop explicó la razón: “Detroit no era San Francisco porque no podías vender el flower-power en una ciudad que estaba a la cabeza de la violencia extrema de la época”.

Gibb, bajo consejo de Sinclair, empezó a redirigir la programación de la sala hacia el rock and roll, permitiendo a grupos locales actuar. De esta forma, no sólo MC5 sino también Choosen Few, The Rationals, Prime Movers –donde militó James Osterberg antes de formar The Psychodelic Stooges-, The Hentchmen, The Amboy Dukes –con Ted Nuggent-, The Stooges, y otras muchas formaciones se beneficiaron de su apertura.

Sin embargo, The Grande Ballroom no sólo fue un lugar donde poder ver a los talentos emergentes de la escena roquera de Detroit, también fue el local donde actuaron alguno de los grupos más importantes de finales de los años 60 y primeros 70. Por ejemplo: Janis Joplin, The Who, Led Zeppelin, Jeff Beck, Cream, Pink Floyd, Grateful Dead, John Coltraine, Sun Ra, …

El cierre
Tras seis años de actividad, The Grande Ballroom cerró sus puertas a finales de 1972 con un concierto de MC5, en el que también participaron Roy Buchannan y Jett Black. La acción rockera en directo se trasladó a otros emplazamientos, como Cobo Arena, Eastown Theatre o The Masonic Temple-, y el Grande cerró sus puertas para no abrir nunca más. En la actualidad el local se encuentra abandonado, muy deteriorado, pero todavía en pie en el 8952 de Grand River Avenue en Detroit, Michigan.

Playlist:

01 – Janis Joplin: “Pice of my Heart” [vídeo grabado en el Grande Ballroom]. 02 – Jeff Beck: “Rock my Plimsoul” [vídeo grabado en el Grande Ballroom]. 03 – Cream: “I’m so Glad” . 04 – Cream: “Tales of Ulysses” . 05 – Cream: “Rollin’ and Tumblin’” . 06 – Ron Koss con Savage Grace . 07 – MC5: “Kick Out The Jams” [de su disco homónimo que fue grabado en directo en dos actuaciones en el Grande Ballroom]. 08 – MC5: “Motor City Is Burning” [de su disco homónimo que fue grabado en directo en dos actuaciones en el Grande Ballroom]. 09 – The Stooges: “1969″. 10 – The Amboy Dukes: “Baby, Please Don’t Go”. 11 – Clip: “Grande Ballroom Memories”.

12 – “Louder Than the Love:The Grande Ballroom Story” [documental].

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Entrevista a Freedonia: “Cada vez hablamos mejor el lenguaje del soul” | Musica Rock

Freedonia son la punta de lanza del soul y el funk en España, recientemente han cambiado a su vocalista y ahora presentan nuevo single con Mayka Sitté a la voz. Nos sentamos con Ángel Pastor (guitarra) e Israel Carmona (trombón), en representación de los diez miembros de la banda, para comentar las novedades y su próxima puesta de largo en la sala Joy Eslava de Madrid.

Habéis cambiado a vuestra vocalista, la parte del grupo que más se hace notar, y sin embargo os lanzáis a tocar en una sala de Madrid tan grande como la Joy Eslava, ¿es un riesgo o estáis plenos de confianza?
Israel: estamos con confianza, pasito a pasito hemos visto que la gente va respondiendo a los conciertos. En la sala Caracol (ndr: donde presentaron su primer disco) se agotaron las entradas y se quedó gente fuera, así que ha sido un proceso natural hacerlo en una sala con un poco más de aforo, para que no pase eso. Y también porque nos hacía ilusión, nos parecía un buen sitio para presentar un single en Madrid.

¿Por qué habéis grabado un single y no un disco entero?
I: por tiempos más que nada, hemos estado todo el verano tocando y no hemos tenido tiempo para tener todo el disco compuesto, así que hemos decidido hacer un adelanto como se hacía antes en los 60 y 70, adelantar el LP con un single.

Ángel: la idea de Beggin’ You (ndr: primera canción del single) venía de hace tiempo, y queríamos desarrollarla, la terminamos y así es una manera de presentar a Mayka, de tener material en estudio de ella.

Beggin You’ es una canción muy blues para lo que venía haciendo Freedonia hasta ahora
Á: yo creo que no es más blues que soul, las progresiones armónicas que lleva no son progresiones de blues al uso. El blues normal son acordes dominantes, aquí empezamos en una tonalidad menor.

I: Con esta canción no intentamos cambiar el sonido o evolucionar, era un tema que queríamos cerrarlo y grabarlo. Un tema bastante soul, a lo mejor un soul no muy retro, que puede sonar a Lee Fields.

En la cara B del single está Don’t Let Me Be Misunderstood, ¿fue algo premeditado hacer una versión de un tema conocido?
I: No, por la manera en que funcionamos, consensuamos todo. La idea fue de Checa, el batería, era un tema que le gustaba bastante y nos contó que quería hacerla con vientos.

Á: era un tema más rockero, y que con unos vientos nos lo podíamos llevar a nuestro terreno y darle un poquito de identidad Freedonia. Además la voz de Mayka encajaba bastante bien.

I: Sí, porque aunque el tema original es de Nina Simone nos hemos fijado más en la versión de The Animals. También creo que cubrimos un hueco con los arreglos de cuatro vientos, ya que todas las versiones son más rockeras o más soft, como la de Nina Simone.

¿Habrá más versiones en el próximo disco?
Á: en realidad hemos pensando muchas versiones, y hay varias que hemos barajado, no sé si para el disco entrará alguna, pero seguro que en los conciertos habrá versiones rockeras o de otros estilos que no son propiamente soul.

I: nos gusta hacer versiones, es muy interesante para aprender el estilo y empaparte de soul. Investigando cómo traerte un tema rockero al soul aprendes bastante. Aunque llevemos 20 años no creo que dejemos de hacer versiones.

A: va un poco con el estilo, todos los artistas de soul clásico han versionado muchas canciones que no son suyas y las hacían incluso más famosas que la original, como la de Try a Little Tenderness de Otis Redding, que es un estándar mucho más antiguo.

I: además no creas que esperaban mucho en hacer la versión, el artista original sacaba el tema y a los 6 meses Otis Redding lo sacaba en su disco, no esperaban años a que pasase de moda el tema, era muy común en el estilo.

Las canciones del disco anterior tenían mucho tiempo antes de que las grabaseis, sin embargo, ahora los temas del próximo disco serán nuevos, ¿qué diferencias notáis a la hora de componer?, ¿lo hacéis de manera diferente?
A: claro, hemos pasado por el proceso de grabación, y esa experiencia te centra en cómo tienes que afrontar la composición de un tema para que funcione en un disco. De la manera en la que estamos grabando, en analógico y todos juntos, a veces hay que dejar espacios para que se oigan todos los instrumentos bien. Creo que hemos aprendido y que cada vez hablamos mejor el lenguaje del soul, eso entendemos o queremos entender, nos preocupamos por seguir aprendiendo. Componemos con un más soltura, tenemos muchas ideas sobre la mesa y sólo tenemos que ver cómo las vamos desarrollando y arreglando.

Hay mucha diferencia si comparamos Beggin’ You, con todos los instrumentos muy definidos, a vuestro primer disco, todo mucho más apelotonado
I: cuando ya teníamos grabado el primer disco nos dimos cuenta de que a veces los temas no respiraban porque había demasiado arreglo en algunas partes, y luego, en la mezcla en analógico, en ingeniero no podía sacar ciertas cosas porque ya había otras sonando por debajo. Por eso a la hora de componer y arreglar Beggin’ You hemos tenido muy en cuenta cómo iba a ser la grabación. La canción lo pide también, es un tema pesado que tiene que respirar mucho.

Vuestro primer disco lo financiasteis con crowdfunding, ¿vais a volver a hacerlo con el siguiente?
I: No. El crowdfunding fue porque llevábamos tocando mucho tiempo y la gente nos demandaba un disco que no teníamos, y además, en ese momento, no podíamos afrontar los gastos de una grabación. El crowdfunding nos abrió la puerta a ser independientes y autogestionados, lo que siempre quisimos, y ahora nos valemos por nosotros mismos para afrontar la grabación. Queremos que la gente colabore de otra manera, porque nos gusta hacer comunidad con nuestro público, pero no en un tema económico.

Las canciones de Freedonia siempre han sido, o muy soul, o muy funk, ¿hacia qué estilo tendéis más?
Á: A nosotros nos gusta hacer un funk ligado al soul, tampoco somos un grupo funky funky, creo que estamos en la frontera. Los temas nuevos están un poco más en el soul que en el funk, vamos a ver si conseguimos influenciarnos un poco de Wilson Picket, por ejemplo, a mí me gustaría que algún tema fuera en esa dirección.

¿Hacia qué estilo tiende Mayka? I: Es muy versátil. Por ejemplo, en un funk es capaz de mantenerse en un acorde continuamente, sin progresión, con una facilidad increíble. Podría hacer funk puro, pero es verdad que la banda tiende más al soul.

Á: Mayka se desenvuelve bien en todos los estilos, creo que tiene mucha profundidad para los temas de balada como el Beggin’ You, pero oyes temas antiguos, como el Running to Nowhere, interpretados por ella y realmente tiene mucha fuerza.

¿Qué tiene Mayka que no tenga Aurora y qué tiene Aurora que no tenga Mayka?
Á: Hombre, Mayka realmente es negra, tiene un timbre muy cálido, muy negro. Aurora tenía otras cosas, era más punky. Las dos son unas voces excepcionales y con las dos se puede trabajar muy bien.

Freedonia sois un montón, 10 personas, y a veces hasta 13 con 3 coristas, ¿qué es lo bueno y lo malo de ser tantos?
I: lo malo son los principios, intentar acoplarnos y gestionarnos. La logística de ir a Barcelona no es la misma si tienes que mover a cuatro personas o a diez. Pero tiene cosas muy buenas, y es que al ser tantos nos repartimos las tareas entre los diez y abarcamos mucho más de lo q puede abarcar un grupo de cuatro. Hacemos todo nosotros, y si fuéramos cuatro tendríamos que delegar.

A: como punto negativo, y muy objetivo, es que hay escenarios donde caber diez es muy complicado. Nos hemos llegado a meter en El Juglar, ¡en El Barco cuando había un piano de cola!, y cuando hemos salido de Madrid en salas donde hemos tenido que hacer un tetris para meternos en el escenario (risas), a veces eso complica el concierto, pero bueno, es algo a lo que te acostumbras.

I: los vientos muchas veces somos los que estamos más apretados, aunque una vez Fran, el bajista, tocó al lado de la puerta del baño y tenía que subir el mástil cuando vez que entraba o salía alguien (risas).

Freedonia son: Mayka Sitté – Vocalista Alex Fernández – Saxo tenor y flauta Ángel Pastor – Guitarra eléctrica y armómica Fran Panadero – Bajo Israel Checa – Batería Joaquín Rodríguez – Percusión Luis Soler – Trompeta Roberto García – Piano Israel Carmona – Trombón David Charro – Saxo barítono

Texto: Rafael Mozún

Fotos: Telesforo Cordero Moreno. Collage: Freedonia

Conciertos de Monster Magnet en Barcelona y Madrid | Musica Rock

El próximo 5 de octubre se pone a la venta Last Patrol, el nuevo disco de Monster Magnet que la formación estadounidense presentará en España en febrero de 2014 con conciertos en Barcelona (Biniki) y Madrid (Arena) los días 5 y 6 respectivamente.

Con Last Patrol, Dave Wyndorf y compañía parecen venir dispuestos a recuperar la agresividad de sus primeros años, aquellos riffs ácidos, pesados y dirigidos con maestría hacía ritmos psicodélicos que nos llegan a tele transportar a finales de los 60s y principios de los 70s.

Como artista invitado, Monster Magnet ha incluído en la gira a Steak, cuarteto inglés que nos ofrecen una pincelada stoner/Rock muy bien ejecutada, muy en la linea de los suecos Dozer, los clásicos Kyuss y los no menos clásicos Clutch.

Los datos de los conciertos de Monster Magnet en Barcelona y Madrid son los siguientes:

5 FEBRERO 2014, 20:00h BARCELONA, BIKINI PRECIO: 25€ (Taquilla 30€)

VENTA ANTICIPADA: Discos Castelló, Revolver, www.ontheroadmusic.es Fnac, Carrefour, en el teléfono 902 150 025 y en los puntos oficiales de la red www.ticketmaster.es

6 FEBRERO 2014, 20:00h MADRID, ARENA PRECIO: 25€ (Taquilla 30€)

VENTA ANTICIPADA: Escridiscos, Sun Records, Cuervo Store, www.ticketea.com, Fnac, Carrefour, en el teléfono 902 150 025 y en los puntos oficiales de la red www.ticketmaster.es

The Traveling Wilburys, una banda ficticia pero muy real | Musica Rock

Todo empieza cuando Jeff Lynne, líder y vocalista de la Electric Light Orchestra, se decide a colaborar con ex Beatle George Harrison en lo que sería su disco de estudio Cloud Nine. En aquellos días, entre sesión y sesión, ambos músicos bromeaban con la idea de crear un grupo ficticio, algo así como The Blues Brothers, una banda que no tuviera que verse unida a ningún nombre ya establecido. Entre risas se propuso un hipotético nombre, una gracia con las palabras The Trembling Wilburys.

La chanza quedó ahí hasta el momento en el que Warner pide a Harrison un tema más para poder incluir en el maxi que saldría como promoción de su nuevo trabajo. En esos momentos George estaba en Los Ángeles, así que se puso en contacto con Jeff Lynne que por aquel entonces se encargaba de la producción de un redondo de Roy Orbison. El ex Beatle preguntó a su amigo Lynne por algún estudio de grabación cercano para poder rematar ese tema que le exigían desde la compañía discográfica. Jeff se acordó del pequeño estudio que poseía Bob Dylan en su garaje, así que no dudaron en ponerse en contacto con él para intentar conseguir algunas horas libres en su local y así terminar con el compromiso. Dylan no se hizo de rogar, todo lo contrario, les invitó a pasarse por su casa a cualquier hora del día. Una vez cerrado el tema del estudio, Harrison se percató de que su guitarra la tenía su amigo Tom Petty, por lo que no tardó en presentarse en su casa a recogerla. Al enterarse del plan que pretendía realizar el inglés, Tom se apunta. Lo mismo que hizo Roy Orbison cuando Jeff Lynne le telefoneó para cancelar la sesión del día siguiente. Y es así como los cinco músicos acaban reunidos en la casa del propio Bob Dylan.

Hasta aquí está clara la unión en un mismo lugar de cinco músicos de reputación intachable, pero, ¿cómo nace The Traveling Wilburys? Una vez metido en faena, George Harrison se dio cuenta de que aunque el tema que había preparado para el maxi de Cloud Nine, “Handle With Care”, había quedado bastante bien, era un crimen desperdiciar el talento del resto de músicos presentes en dicha reunión. Así que decidió dar un papel protagonista a Dylan, Lynne, Petty y Orbison a lo largo de la composición. Llegado el momento de ensayarlo, todos metidos en la cocina de la casa de Bob, Harrison sintió la magia del momento y no pudo por más que exclamar: «¡Eso es… The Traveling Wilburys!». Y realmente el destino tenía algo que ver ya que, aunque no lo parezca, de otra manera no habría sido posible juntar a todas estas estrellas. Si hubieran intentado telefonear a todo el mundo, se habrían topado con las compañías discográficas y managers de cada músico, hecho que habría convertido en imposible la propuesta.

Una vez terminada su “Handle With Care”, los chicos se dieron cuenta de que era demasiado buena como para editarla únicamente cual single. Así que alguien propone la idea de componer juntos nueve canciones más, conformar un disco y publicarlo bajo el nuevo nombre de The Traveling Wilburys. También planean inventarse unos nombres falsos, crear una familia de hermanos que firmarán los temas, y esa familia serían los Wilburys. Así es como Bob Dylan, Jeff Lynne, Tom Petty, Roy Orbison y George Harrison, pasarían a ser Lucky, Otis, Charlie T. Junior, Lefty y Nelson, respectivamente. Por esta fórmula evitarían problemas con los sellos, representantes y demás situaciones escabrosas que se pudieran suceder. Para completar el álbum, al que decidieron titular Volume 1, forman un grupo que les ayudara con el resto de instrumentos. A esta banda se le puso el nombre de The Sideburys y estaba compuesta por Jim Keltner (batería), Jim Horn (saxo), Ray Cooper (percusión) e Ian Wallace (tom-toms). Pero no sólo el grupo en sí era algo curioso, las historias que escondía cada corte que componía su puesta de largo también lo eran.

De esta manera es como la segunda canción que compone la banda, “Dirty World”, posee una historia realmente graciosa. A Bob Dylan se le ocurre que deberían hacer una canción que no tuviera nada que ver con su pasado, es decir, con las formaciones a las que han pertenecido. La idea de Dylan era hacer un tema al estilo de Prince, una composición que impactara al oyente nada más escuchar la primera estrofa. Y así fue ya que, aunque la tonada está realmente lejos de acercarse a la corriente que presenta Prince en sus discos, es desconcertante escuchar de Bob cantar aquello de «I love your sexy body» (Me encanta tu cuerpo sexy). Además, se decidió dejar un espacio final en el que todos cantarían a la chica de la canción, cada uno recitaría uno de los atributos que más le atraían de esa mujer. Pero George no quería que terminara la diversión, así que a la hora de preparar la letra de esas estrofas decidió preparar un nuevo juego. Repartió entre sus compañeros diferentes publicaciones escritas (Autosport, Vogue, etc…) y les pidió que buscaran palabras que les llamasen la atención. Una vez terminada la investigación, en la lista de frases había cosas como “cambio de marchas de cinco velocidades” y otros desvaríos por el estilo. Así que con tan surrealista colección de textos se pusieron a recitar ante el micrófono.

Otra de las anécdotas destacables de las diez canciones que componían ese Volume 1 fue la sucedida durante la creación de “Tweeter & The Monkey Man”, una letra que surgió de la manera más simple pero que esconde otro de los originales métodos de componer de George Harrison. La idea se le ocurre al guitarra inglés un día que se encuentra a Dylan y Petty hablando en la cocina. Allí estaba él y Jeff Lynne escuchándoles en una charla sobre tonterías relacionadas con los Estados Unidos, temas realmente americanos que Harrison no llegaba a comprender muy bien. Así que en vez de pedirles que le explicaran el tema, decide coger una grabadora y tomar el momento en una cinta. Una vez terminado, pusieron la casete, transcribieron todo lo que se había dicho y le dejaron el resultado a Bob Dylan para que rematara el asunto.

Pero la tragedia golpea al proyecto ya que en diciembre de 1988, tras terminar la grabación de su primer disco como The Traveling Wilburys, Roy Orbison fallece a causa de un paro cardiaco. La banda ya había grabado un vídeo clip del “Handle With Care” y estaban preparando el segundo, esta vez del corte “End Of The Line”. El día de grabación de dicho vídeo fue un día después del funeral por Orbison, pero sus hermanos Wilburys siguieron adelante con intención de hacerle justicia. Se terminó el promocional para la televisión e incluyeron ese recuerdo prometido. En aquel “End Of The Line” salen los cuatro miembros restantes del grupo haciendo una jam dentro de un vagón de tren. Cuando toca la estrofa de Roy Orbison, llega el momento; en pantalla aparece un marco con su fotografía y ante el mismo, su guitarra. Instante emotivo para todos los que disfrutamos con la voz de este excepcional cantante.

Dos años después de la salida de su primera obra sonora, los ahora cuatro componentes del proyecto deciden publicar un segundo disco en memoria de su amigo desaparecido. El redondo se titulará Volume 3, marcando de esta manera una incógnita: ¿existirá un Volume 2? Pues no, los chicos seguían manteniendo el buen humor, tanto es así que se vuelven a poner nuevos nombres de guerra. Ahora Dylan, Petty, Harrison y Lynne, son Boo, Muddy, Spike y Clayton, aunque esto no hace que pierdan el rumbo ya que su segundo plástico se mantenía en lo más alto de los niveles compositivos, mezclando una vez más los más diversos estilos musicales. En esta ocasión tenían once cortes para completar el álbum –uno más que cuando sacaron su Volume 1–, y en ellos podemos volvernos a topar con alguna que otra curiosidad. En los créditos del trabajo dan las gracias a la actriz Carrie Fisher por su aportación en “You Took My Breath Away”. Por lo visto, Carrie le dio a George Harrison un poema que había escrito cuando tenía diecisiete años y del cual sacaría el inglés la estrofa de «You took my breath away and now I want it back».

Hasta aquí lo que es la vida de The Traveling Wilburys, ya que posteriormente se ha querido rentabilizar el invento. Algunos sellos discográficos han sacado recopilatorios en los que ponen el nombre de la banda pero que sólo tienen tomas en solitario de cada miembro y como única unión te topas con simples colaboraciones. Ese es el caso del Volume 2 & 4 ½, una obra en la que aparece el plástico de Tom Petty Full Moon Fever, además de aquella joya de Roy Orbison llamada “You Got It” en la que los únicos que participaban era el tándem Lynne/Petty y cuya colaboración se centra en ser coautores del tema. A día de hoy se sigue especulando con una posible reunión, aunque la vez que más cerca se estuvo de volver a estrechar lazos fue en un pasado 2000 en el que se estaba preparando su inminente regreso. Ahora, y tras la muerte de George Harrison, la cosa cada vez se ve más lejana. Pero no hay que perder de vista a estos genios pues, como bien decían en uno de sus clásicos, «The Devil’s been busy

Mike Farris ofrecerá siete conciertos en España en octubre | Musica Rock

Al igual que Lucinda Williams o Steve Earle, Mike Farris proviene de una ciudad al sur de Nashville, Tennessee. Comenzó su carrera como compositor principal de Screamin’ Cheetah Wheelies, cuyo debut autotitulado alcanzó el puesto 40º en la lista de Billboard Heatseekers y con cuyo segundo larga duración –Magnolia– se ganó el respeto de crítica y público.

En este momento, Farris comenzó con su carrera en solitario que ya le ha llevado a visitar España en dos ocasiones, en 2004 y 2009. Ahora, en octubre de 2010, el compositor de Tennessee regresa a nuestro país acompañado de su banda, The Roseland Rhythm Revue, para ofrecer siete actuaciones.

Su carrera en solitario comprende dos discos de estudio –Good Night Sun y el aclamado Salvation In Lights– y un disco en directo –Shout! Live– que fue publicado durante el pasado 2009.

De él se ha dicho que “se hace difícil imaginar a un artista que combine la potencia y la rudeza del llorado Bon Scott con el dulce alma soul del gran Donnie Hathaway. Pues Mike Farris lo hace. Conocido por sus intensos directos, Farris nació para cantar, para ser una estrella. Su apabullante voz combinada con sus canciones sobre la fe, el amor, los perdedores y todas esas historias que todos hemos vivido, hace que muchos ya consideren como algo cuasi-religioso pasar una velada con Mike y su música”.

Los datos de la gira de Mike Farris & The Roseland Rhythm Revue son los siguientes:

Viernes, 8 de octubre, 22.00 h (apertura de puertas) SANTIAGO DE COMPOSTELA Sala Capitol Precio: 18€ (anticipada) / 22€ (taquilla)

Puntos de venta: A Reixa Tenda, Discos Gong (Santiago D.C.), Honky Tonk (Vigo) y El Veasto (A Coruña).

Sábado, 9 de octubre, 21.00 h (apertura de puertas) GIJÓN Casino-Sala Acapulco Precio: 17€ (anticipada) / 20€ (taquilla)

Puntos de venta: Red Ticketmaster, www.ticketmaster.es, 902 15 00 25, FNAC, Carrefour, oficinas HalcónViajes, Paradiso y El Último Mono (Oviedo).

Lunes, 11 de octubre, 21.00 h (apertura de puertas) BILBAO Kafe Antzokia + Jardín Infierno Precio: 20€ (anticipada) / 23€ (taquilla)

Puntos de venta: Red Ticketmaster, www.ticketmaster.es, 902 15 00 25, FNAC, Carrefour, oficinas HalcónViajes, Power Records, Kafe Antzokia

Martes, 12 de octubre, 21.00 h (inicio) VALLADOLID Teatro Carrión Precio: 22€ (patio de butacas) y 18€ (anfiteatro).

Puntos de venta: www.ticketcyl.com y centros asociados, www.cajaduero.es y taquillas del Teatro Carrión.

Miércoles, 13 de octubre, 20.30 h (apertura de puertas) MADRID Sala Heineken Precio: 22€ (anticipada) / 25€ (taquilla)

Puntos de venta: Red Ticketmaster, www.ticketmaster.es, 902 15 00 25, FNAC, Carrefour, oficinas HalcónViajes, Escridiscos

Viernes, 15 de octubre, 22.00 h (apertura de puertas) VALENCIA Durango Club Precio: 25€ (anticipada) / 28€ (taquilla)

Puntos de venta: Discos Harmony, Discos Amsterdam, Tienda Tipo, Durango café-bar (Puzol) y Durango Club

Sábado, 16 de octubre CERDANYOLA (Barcelona) Festival de Blues de Cerdanyola. Pabellón de Deportes de Cerdanyola. 22.00 h: apertura de puertas 22.15 h: banda local 23.30 h: The Pepper Pots 1.15 h: Mike Farris & The Roseland Rhythm Revue Precio: 20€ (anticipada) / 25€ (taquilla)

Puntos de venta: Red Servicaixa, www.servicaixa.es, 902 33 22 11, terminales ServiCaixa

Más detalles sobre la reedición de ‘In Utero’ de Nirvana | Musica Rock

La reedición de In Utero de Nirvana se pone a la venta el próximo 24 de septiembre a través de Universal y con motivo de la celebración del 20º aniversario de su publicación. Esta reedición de In Utero se editará en un formato deluxe, que consta de triple cd más dvd; en cd estándar y formatos digitales.

La revista Rolling Stone ha desvelado el secreto del listado de canciones que compondrá la edición deluxe de In Utero. Dentro del tracklist, además del álbum remasterizado también se incluyen caras B, demos, rarezas y grabaciones en directo hasta alcanzar 70 canciones.

El primer disco contiene la edición remasterizada de In Utero que ha corrido a cargo de Steve Albini aunque también se incluyen algunas caras B y rarezas. El segundo disco incluye el disco pero en una nueva mezcla 2013 y está acompañado también de demos, grabaciones de ensayos más una pista instrumental que se descubrió hace poco.

El tercer disco incluye la grabación del concierto ofrecido para MTV Live & Loud que fue grabado en el Pier 48 de Seattle. El show se publica también en el DVD que, además, recoge imágenes de la gira europea de presentación de In Utero así como una versión extendida del vídeo musical de “Heart-Shaped Box“.

El listado de canciones que componen la reedición 20º aniversario de In Utero de Nirvana es el siguiente:

Disc 1 (remastered album, B-sides, bonus tracks):
01 Serve the Servants (Albini mix/original release) 02 Scentless Apprentice (Albini mix/original release) 03 Heart-Shaped Box (Litt mix/original release) 04 Rape Me (Albini mix/original release) 05 Frances Farmer Will Have Her Revenge On Seattle (Albini mix/original release) 06 Dumb (Albini mix/original release) 07 Very Ape (Albini mix/original release) 08 Milk It (Albini mix/original release) 09 Pennyroyal Tea (Albini mix/original release) 10 Radio Friendly Unit Shifter (Albini mix/original release) 11 tourette’s (Albini mix/original release) 12 All Apologies (Litt mix/original release) 13 Gallons Of Rubbing Alcohol Flow Through The Strip (ex-U.S. bonus track) 14 Marigold (B-side; “Heart Shaped Box) 15 Moist Vagina” (B-side; “All Apologies”) 16 Sappy (from No Alternative comp) 17 I Hate Myself And Want To Die (from The Beavis and Butt-head Experience) 18 Pennyroyal Tea (Litt mix) 19 Heart-Shaped Box (Albini mix/unreleased)

20 All Apologies (Albini mix/unreleased)

Disc 2 (2013 album mix, demos):
01 Serve the Servants (2013 mix) 02 Scentless Apprentice (2013 mix) 03 Heart-Shaped Box (2013 mix) 04 Rape Me (2013 mix) 05 Frances Farmer Will Have Her Revenge On Seattle (2013 mix) 06 Dumb (2013 mix) 07 Very Ape (2013 mix) 08 Milk It (2013 mix) 09 Pennyroyal Tea (2013 mix) 10 Radio Friendly Unit Shifter (2013 mix) 11 tourette’s (2013 mix) 12 All Apologies (2013 mix) 13 Scentless Apprentice (Rio demo) 14 Frances Farmer Will Have Her Revenge On Seattle (Laundry Room demo) 15 Dumb (Word Of Mouth demo) 16 Very Ape (Rio demo) 17 Pennyroyal Tea (Word Of Mouth demo) 18 Radio Friendly Unit Shifter (Word Of Mouth demo) 19 tourette’s (Word Of Mouth demo) 20 Marigold (Upland Studios demo) 21 All Apologies (Music Source demo) 22 Forgotten Tune (Rehearsal)

23 Jam (Word Of Mouth demo)

Disc 3 (“Live & Loud” show at Seattle’s Pier 48, 12/13/93)
01 Radio Friendly Unit Shifter 02 Drain You 03 Breed 04 Serve The Servants 05 Rape Me 06 Sliver 07 Pennyroyal Tea 08 Scentless Apprentice 09 All Apologies 10 Heart-Shaped Box 11 Blew 12 The Man Who Sold The World 13 School 14 Come as You Are 15 Lithium 16 About a Girl

17 Endless, Nameless

DVD (“Live & Loud” show at Seattle’s Pier 48, 12/13/93):
01 Radio Friendly Unit Shifter 02 Drain You 03 Breed 04 Serve The Servants 05 Rape Me 06 Sliver 07 Pennyroyal Tea 08 Scentless Apprentice 09 All Apologies 10 Heart-Shaped Box 11 Blew 12 The Man Who Sold The World 13 School 14 Come As You Are 15 Lithium 16 About a Girl 17 Endless, Nameless 18 Very Ape (Live & Loud Rehearsal) 19 Radio Friendly Unit Shifter (Live & Loud Rehearsal) 20 Rape Me (Live & Loud Rehearsal) 21 Pennyroyal Tea (Live & Loud Rehearsal) 22 Heart-Shaped Box (Original Music Video + Director’s Cut) 23 Rape Me (Live on “Nulle Part Ailleurs” – Paris, France) 24 Pennyroyal Tea (Live on “Nulle Part Ailleurs” – Paris, France) 25 Drain You (Live on “Nulle Part Ailleurs” – Paris, France) 26 Serve The Servants (Live on “Tunnel” – Rome, Italy) 27 Radio Friendly Unit Shifter (Live in Munich, Germany) 28 My Best Friend’s Girl (Live in Munich, Germany) (The Cars cover)

29 Drain You (Live in Munich, Germany)

Entrevista a Hellsingland Underground “Somos del norte de Suecia, hacemos Northern Rock” | Musica Rock

¿Unos suecos con sonido sureño?, con Hellsingland Underground es posible, sabor de Allman Brothers con firma escandinava. Estarán próximamente girando por toda la península, en lo que es su primera visita a España. Nos ponemos en contacto con su vocalista Charlie Granberg.

Tenéis un sonido muy peculiar, riffs energéticos con auténtico sabor sureño, ¿creéis que sois únicos?
¡Gracias!. Sí, creo que sí, no he oído a ninguna otra banda que suene como nosotros. Pienso que es lo que pasa si tu objetivo es haces sonar lo que llevas dentro y no simplemente copiar a otros. Creo que nuestro sonido es el producto de seis individualidades que tenemos mucho en común, pero que al mismo tiempo somos seres humanos muy diferentes. Demasiadas bandas sólo intentan sonar como otras.

Dicho esto, nosotros también tenemos nuestras influencias, cualquiera con un conocimiento básico de la historia de la música puede escucharlo, pero intentamos tener nuestra propia voz. Nos preguntamos a nosotros mismos qué tipo de música nos falta, qué tipo de canción o letra querríamos escuchar.

Nadie diría que sois suecos por vuestro sonido, ¿hay más bandas que hagan rock sureño en escandinavia?
Hay algunas bandas suecas que reivindican y tocan rock sureño, aunque Hellsingland Underground nunca ha pretendido hacer rock sureño. Es decir, ¿cómo sería eso posible? somos del norte de Suecia, no del sur de los Estados Unidos. Por esto inventé nuestro propio género, Northern Rock, y parece que los periodistas han tomado buena nota de él.

Me encantan The Allman Brothers, Marshall Tucker, The Outlaws y todo eso, pero también me gustan muchas otras músicas que me han influido mucho más, como Bob Dylan y Neil Young por ejemplo. Pero bueno, en Hälsingland, el condado donde vivo, hay un montón de músicos de blues y folk, con una gran tradición y mucha gente tocando y escuchando ese tipo de cosas, así que imagino que la música de raíces está de alguna forma en mi sangre.

Tradicionalmente los estilos de música asociados a Suecia son el black metal o el rock duro, ¿cómo conseguisteis “escapar” del metal?
Jaja, en nuestra infancia y adolescencia hemos tocado en bandas de punk y metal, y todavía nos gustan bandas como Iron Maiden, los primeros Metallica, Slayer, AC/DC, Motörhead y todas esas, porque es la música con la que crecimos.

Nuestro baterista Patrik incluso ha tocado en algunos grupos de black y death metal, pero creo que llegamos a un punto en el que sentimos que ese tipo de música de alguna forma nos limitaba. Quiero decir, ¿cuánto de duro, rápido y maligno puedes llegar a ser?, estoy más interesado en el conjunto entero de sentimientos: alegría, tristeza, dolor, esperanza, desesperación, amor, muerte, etc. Ya sabes, la vida va de estas cosas y nosotros intentamos describirlas lo mejor que podemos en nuestra música.

La vida es extraña para la gente que piensa mucho las cosas, y me gusta pensar en mí mismo como una de esas personas. De hecho creo que le doy demasiado vueltas a las cosas.

En breve comenzáis una gira bastante extensa por España, ¿por qué decidisteis hacer este tour?
Esto puede sonar bizarro para algunos. Cuando empecé a escribir mis primeras canciones para una banda que ni siquiera existía, allá por el verano de 2006, tenía unas sensaciones tan fuertes sobre ellas que podía visualizar cómo sería la banda y cómo sonaría. También recuerdo tener grandes sueños acerca de tocar en países como Alemania, España, Estados Unidos y Japón. En ese momento estaba yo solo, pero una vez formada la banda hemos tocado un montón en Alemania, y ahora, pronto, en España. Imagino que ahora sólo nos queda Estados Unidos y Japón y todos esos sueños se habrán cumplido.

Esta es la parte filosófica, si deseas algo mucho al final ocurre. Luego está la parte de estar con los pies en la tierra. Cuando lanzamos (nuestro último disco) Evil Will Prevail nos contactaron no menos de 4 agencias de contratación españolas, y elegimos trabajar con Mad Note Co., que parece que están haciendo un gran trabajo. Nos gusta España como país, a todo el mundo en Suecia le gusta.

Habéis girado por otros países de europa, ¿dónde habéis tenido más éxito?
Exceptuando Suecia y Alemania, hemos estado en Austria, Noruega, Holanda, la República Checa y puede que en algún otro sitio que no recuerdo. Después de Suecia, donde hemos tocado más es en Alemania. Lo sentimos como nuestra segunda patria. Allí hemos tocado desde en clubes pequeños hasta en enormes festivales frente a 10.000 personas. También hicimos programas de televisión, como el Rockpalast TV show, e incluso tocamos en una prisión de alta seguridad, lo que fue muy especial. Amamos Alemania y parece que ellos nos quieren también a nosotros, y tenemos el presentimiento de que va a pasar lo mismo con España y su público una vez terminemos la gira. Esto es absolutamente fantástico para una panda de chicos de pueblo como nosotros.

Vuestro single ‘The Lost River Band’ nos recuerda mucho a Thin Lizzy, y la forma de cantar en ‘Singing While The World Dies’, a Chris Barron, de Spin Doctors, ¿son influencias vuestras?
Thin Lizzy, ¡por supuesto!, nos encanta, ¿a quién no?. Respecto a Spin Doctors, apenas les he escuchado, así que no lo creo.

Acaba de salir un nuevo EP ‘La banda del río perdido’, ¿en qué consiste?
¿Ya ha salido? no lo sabía. Pensamos que sería una buena introducción para la gente de España que nunca nos ha escuchado antes. Escogimos un par de canciones de cada uno de nuestros 3 discos y creemos que nos representan bastante bien. No saldrá en vinilo o CD, sólo en spotify, iTunes y otros formatos digitales, es nuestro distribuidor (Sound Pollution) el que se encarga de estos temas.

Esperemos que la gente se haga una idea de nuestra música, no queremos que se gasten dinero para la entrada del concierto si no te va a gustar, pero tampoco queremos que nadie al que le pueda gustar se lo pierda. Estamos muy emocionados con esta gira, así que no queremos que falte nadie, todo el mundo está invitado, ¡nos vemos en una semana!

Texto: Rafael Mozún

Resurrection Fest 2013 – Viveiro 2 de agosto 2013 | Musica Rock

Tras una nochecita de relax y de descanso (llegamos un poco tarde pero dormimos hasta bien entrada la mañana) nos dispusimos a vivir la segunda jornada de un festival que había empezado muy bien, pero que aún nos deparaba grandes sorpresas.
El segundo día del Resurrection Fest lo comenzamos con los portugueses For the Glory, que no defraudaron, y nos trajeron recuerdos de grandes bandas del hardcore portugués como Twenty Inch Burial (de la que fue vocalista su bajista Rui). Un concierto muy completo en el que nos hicieron descargar las primeras dosis de adrenalina del día, algo corto el concierto, pero muy completo, dejando un muy buen sabor de boca. En el país vecino tenemos bandas muy buenas dentro de este estilo musical, y hay que aprender a valorarlas como se merecen.

Tras ellos les llegó el turno a Violent Eve, con nuevo cantante por cierto, una banda que ya he tenido el gusto de disfrutar en directo y que siempre ofrecen un gran show. Ritmos fuertes y pesados, que fueron inundando el escenario Arnette (algo pequeño) pero que aprovecharon estos madrileños para dejar el pabellón bien alto.

Los siguiente en saltar al escenario fueron los valencianos Noctem, con una puesta en escena muy trabajada, donde la música, muy bien interpretada, van de la mano de los aspectos visuales.

Casi a continuación, y sin tiempo de digerir, uno de los grupos que no se suele perder ninguna edición del Resu, los madrileños Vita Imana, abriendo con “Animal” a pesar de lo complicado del concierto. Ese día vivimos condiciones de viento fuerte que ya en algunos casos impedían escuchar bien a los músicos, y en este caso se sumó a que el volumen no era el más alto. Aún así Javier Cardoso y compañía lo dejaron todo sobre las tablas, con la contundencia de su voz, y con un público incondicional que les apoyó de principio a fin. Circle pitt y pogos se alternaban durante los temas que iban sonando, como con “Un nuevo sol” o “Nada por tí“. La fuerza de la voz de Javier marcaba la pauta, riffs de guitarra muy bien ejecutados, percusiones contundentes (con Miriam y Daniel ofreciendo una gran actuación)… en definitiva, un buen concierto de esta banda que se hace grande a pasos agigantados. Incluso tuvieron un momento de recuerdo al fallecido recientemente Jeff Hanneman, regalándole un wall of death que fue de los mejores del festival.

Nao y Avulsed fueron los siguientes en saltar a sus respectivos escenarios, los segundos haciendo un papelón por lo que se escuchaba a lo lejos, pero tocaba coger fuerzas para los platos fuertes del día. Los primeros en abrir la lata fueron No Turning Back, que comenzaron a caldear el ambiente bien entrada la tarde, hardcore directo y muy fresco que provocó algún que otro pogo.

Tras ellos los navarros Dawn of the Maya ofrecieron un conciertazo cargado de energía y fuerza en el escenario pequeño. Estos chicos nos ofrecieron su repertorio de hardcore acompañado de metalcore en el escaso tiempo que tuvieron, pero dejaron muy buen sabor de boca.

A continuación, los Lendakaris Muertos pusieron patas arriba el escenario cubierto, donde agolparon a una gran cantidad de público, incluso los hubo que llevaron un Oso Panda (con perfil propio en Facebook) al festival como homenaje a estos navarros.

Oso Panda” o “Veterano de la Kale Borroka” fueron los temas más coreados desde un público que llegó a coger en volandas a su cantante, un verdadero revulsivo para lo que estaba por llegar. Los Lendakaris son un éxito asegurado, diversión y punk del bueno que hacen que te entren ganas de saltar y corear todos y cada uno de los temas emblemas de la banda.

Tras hacer un parón para reponer fuerzas y ver a Rise of the Northstar, Integrity y Belvedere desde lejos, fuimos directos hacia el concierto de Exodus en el escenario principal. Abrieron con uno de sus temazos, “The Balad of Leonard and Charles” y ya Rob Dukes dejó claras muestras de lo que iba a ofrecer. Irreverente y directo, no dejó títere con cabeza. Sonaron grandes éxitos de la banda como “Black List” o “Blonded by blood“, de su primer trabajo, ofreciendo uno de los mejores conciertos del festival sin duda alguna.

Con la noche ya entrada, fue el turno de Brutality will Prevail. Estos galeses hicieron suyo el escenario pequeño ofreciendo un show algo corto, pero contundente con un hardcore más cercano al metal, pero muy directo. Y a continuación, en la carpa cubierta, otro de los grupos que más ganas tenía de ver. Venían de repetir el año pasado y Comeback Kid lo volvieron a dar todo sobre el escenario, circles pits, pogos y saltos se mezclaron con cada uno de los temas que fueron desgranando, y eso que la gente estaba ya ansiosa por ver a Slayer. Un concierto muy completo, cargado de intensidad y cerrado con un broche de oro, “Wake the death” un emblema ya de la banda que nos puso a todos patas arriba.

Y llegaba el momento grande de la noche, el escenario principal se llenaba de luces rojas y azules y humeo, un infierno para los fotógrafos, para recibir a Slayer, uno de los Big 4 del thrash. El concierto, marcado por la aún presente muerte de Jeff Hanneman, fue todo un homenaje al que fuera guitarrista y miembro fundador de la banda. La noche comenzó con un tema con el que nos tienen acostumbrados “World painted in blood” desatando al monstruo que lleva dentro Kerry King que no paró ni un solo instante de ofrecer gestos de rabia y deleitarnos con sus riffs. Fue sin duda el mejor, o el segundo mejor concierto del festival, y es que Slayer no decepcionan. “Halloweed Point“, donde Tom Araya parecía más bien que le estuvieran ensartando por lo gestos de dolor que desde el foso podíamos apreciar en su cara, sin duda vive cada una de sus letras. El concierto se resume en apoteósico, una hora y veinte de descarga de adrenalina en la que aprovecharon a echar una repaso a toda su discografía prácticamente. Sus letras belicosas (muy al estilo del reciente fallecido Jeff que compartía con Lemmy su fascinación por los elementos de las guerras mundiales) fueron caldeando el ambiente a base de bien. Sin Lombardo a las baterías, Bostaph dio un recital del uso de las baquetas, y Gary Holt, al que ya habíamos disfrutado con Exodus, manejó las seis cuerdas a la perfección, sólo superado por un Kerry King, alma matter de Slayer junto a Araya, apoteósico, como siempre, este hombre no sabe dar un mal concierto, intercambiando entre ellos solos magistrales en temas como “Mandatory suicide“.

Pero la perla final llegó con el último tema, que no podía ser otro que “Angel of Death“, con una pancarta de Jeff Hanneman homenajeando al fundador de Slayer, un momento muy emotivo, tanto para la banda, como para todos sus seguidores, y un colofón de oro a un espectáculo impresionante, lo mejor del festival quizá.

Tras ellos, iba a ser complicado no quedar mal, o por debajo de ese listón, pero The Exploited, en la carpa cubierta, lo dieron todo sobre el escenario para hacernos disfrutar de su punk y sus crestas, mandando a hacer puñetas a los poderosos en “Fuck in USA“. Ritmos rápidos, que calentaron los ánimos de los más punkies que se congregaron al concierto, generando grandes pogos. Irreverentes y directos, con un buen sonido, no pudieron sobreponerse a la sombre de Slayer, pero lo intentaron al menos.

Y para cerrar el segundo día, sin contar el tributo a Pantera a cargo de Display of Power, los suecos de Millencollin, de nuevo en el escenario grande, haciéndonos las delicias con su skate punk. El problema principal la hora a la que tocaron, y la paliza que llevábamos encima ya, si no hubiera disfrutado mucho más de esta banda que tiene un gran directo. Nikola, voz y bajo, deshilvanó sus grandes éxitos, como “No cigar” con un público que denotaba algo de cansancio, pero que no dejó de corear algunos de los grandes éxitos de esta banda, que aunque algo más suave que el resto, también tiene su público en el Resurrection Fest. Cuando finalmente abandonaron el escenario, a cosa de las 3:30 de la madrugada, ya era hora de volverse al hotel a descansar y coger fuerzas para el último día de festival que prometía y mucho.

Fotos y texto: Héctor Vila

Gira de Hellsingland Underground: Los creadores del northern rock | Musica Rock

No se crean que conocen todas las etiquetas habidas y por haber en el mundo de la música. Hoy les apuntamos una nueva: northern rock. ¿Qué es? No lo sabemos muy bien pero, sin embargo, sus creadores van a estar de gira por nuestro país a mediados de septiembre y se lo podéis preguntar en directo en las diversas citas que tienen previstas Hellsingland Underground.

Desde la formación de la banda, la visión de Hellsingland Underground ha sido la de crear música con una profundidad y longevidad. Los mitos y rumores acerca del grupo comenzaron en el verano de 2006 después de su primer concierto en un festival ilegal, en los bosques de Hãlsingland, en su Suecia natal. Un mito que ha ido creciendo con cada nuevo álbum. Las primeras críticas celebraron las canciones de la banda, sus letras reveladoras, sus armonías y el puro y simple placer de tocar su música, demostrando que puedes ser serio sin ser pretencioso.

Su cantante Charlie Granberg rockea desde su silla en el porche de su pequeña casa en las orillas del río Ljusnan, en Ljusdal, Hãlsingland. La escena podría resultar un cliché en comparación con el sur americano del que Hellsingland Underground tomaron prestadas tantas influencias en sus dos primeros discos, pero es pura autenticidad en mitad del frío nórdico. Su debut de 2008 supuso en affair amoroso con todas esas influencias comunes del southern rock americano, que se confirmaron en su continuación Madness & Grace en 2010, consolidando también su propia identidad. Un camino que ha desembocado en Evil Will Prevail, que muestra el cenit de la banda con letras más oscuras y personales y arreglos más genuinos sin dejar de lado su poso sureño.

Como unos Hellacopters tardíos que hubieran sustituido el legado de MC5 por el de Lynyrd Skynyrd y Allman Bros., o unos The Soundtrack Of Our Lives más tradicionales pero igual de inspirados melódicamente, Hellsingland Underground continúan la tradición de las grandes bandas de rock n’ roll que los países escandinavos nos han brindado en la última década.

En septiembre de 2013 pisarán por primera vez España para seguir construyendo su leyenda; quién sabe si dentro de poco no estaremos también hablando de ellos como una banda de referencia de la inagotable cantera sueca. Las fechas previstas de Hellsingland Underground en nuestro país son las siguientes:

12 de septiembre. Azkena, Bilbao (gratuito)
13 de septiembre. La Boite, Madrid. Entradas a la venta en Taquilla10.com 14 de septiembre. Acapulco, Gijón 15 de septiembre. Sala Son, Cangas Do Morrazo 17 de septiembre. Supersonic, Cádiz 18 de septiembre. Louie Louie, Estepona 19 de septiembre. Loco Club, Valencia 20 de septiembre. Rocksound, Barcelona

21 de septiembre. La Ley Seca, Zaragoza

Resumen contenido revista Popular-1 junio 2013 | Musica Rock

El número de junio de Popular-1 dedica su portada a Black Sabbath, en páginas interiores la revista incluye una entrevista en exclusiva con Geezer Butler y Ozzy Osbourne en Los Angeles, en la que, además de hablar del primer disco en el que canta Ozzy desde 1978 descubren algunas interesantes interioridades de su agitada vida.

Popular-1 también entrega en este número sendos artículos en homenaje a la memoria de Jeff Hanneman y Ray Manzarek, dos excelentes músicos, cada uno en su estilo, fallecidos recientemente.

Además, la revista sigue conmemorando su 40 aniversario, con entrevistas a diversos personajes, músicos, promotores y hasta acérrimos seguidores, quienes relatan sus vínculos con Popular-1.

RESTO DEL CONTENIDO

NOTICIAS: Wolfmother, Mott The Hoople, The Quireboys, The Rides, Mike Ness, John Fogerty, Guy Clark, Tony Bourge, Glen Campbell, Truth, American Dog, Murder Junkies, Kings Of Chaos, Jeff hanneman, Tim Lambesis, Nicko McBrain, Michael Moore, Steve Vai, Smashing Punpkins, Saxon…

CONCIERTOS: Lordi, Spiritual Beggars, Maceo Parker, Gojira, Moonspell+Insomnium, Kadavar+Baby Woodrose, The Quireboys, Graveyard, Amplifier, Murder By Death, The Musical Box, Eric Burdon (Barcelona), Jeff Scott Soto (Santiago de Compostela).

ENTREVISTAS: Rob Zombie, Larry Graham, Dirty York, Stewart Copeland, The Undertones, Funeral For A Friends, The Buttshakers, Willie Nile, Clutch, Ariel Rot, Pedro Marín

CRITICAS: Disco del Mes: 13 (Black Sabbath). Ghost, Queen Of The Stone Age, Hogjaw, Tom Keifer, Great White, Meat Puppets, Deep Purple, Spiritual Beggars, Carla Olson, Cathedral, Peter Frampton, Iced Earth, UFO, Amaranthe, Axel Rudi Pell, Jerry Miller, Spin Doctors, Paramore, Status Quo, Pretty Maids, Stonewall Noise Orchestra, Sam Outlaw, De La Cruz, Player, Alanis Morrissette, Loquillo, Robin Trower, The Delta Riggs, Andrew Strong.

TAMBIEN SE HABLA DE… Desert Fest Berlín 2013, Purson, Luke Winslow-King