Entrevista con Guadalupe Plata: “Si un barreño o unos cencerros llaman la atención y acercan a esta música pues bienvenidos sean” | Musica Rock

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Los ubetenses Guadalupe Plata no paran de tocar por toda la península y el extranjero. Tampoco dejan de editar discos, recién degustadas sus cuatro versiones de blues junto al prestigioso armonicista Walter Daniels, ya están preparando su siguiente largo. Entre tanto trajín charlamos con Perico De Dios (voz y guitarra), Paco Martos (bajo y barreño), Carlos Jimena (batería) y su inseparable manager Toni Anguiano, culpables del mejor directo nacional 2011 para musicopolis.es

Poquito a poco os habéis hecho un nombre en Madrid, porque los inicios fueron complicados… Carlos: El primer concierto en Madrid fue en La Pequeña Betty, con 10-15 personas, todos amigos y novias.

Paco: y mi primo, que vino también (risas).

Y ahora llenáis todo lo que se os ponga por delante C: ha dependido de la región y el sitio donde toquemos, pero hemos tenido la moral de decir, “si ahora han ido 10 personas probablemente al siguiente vendrán 20″. Insistiendo y tocando mucho. Pa: ya en 2010 dimos 100 conciertos.

C: es la manera de ganarse la vida como músico, hay que ir todos los fines de semana a tocar.

En unos días marcháis al festival SXSW, y no es vuestra primera experiencia allí, ¿cómo surgió?
Toni: tienes que echar la solicitud y es la propia organización del festival la que te selecciona, luego te buscas las habichuelas con programas para sacar ayudas para el viaje y eso. Este año vamos con apoyo de Sounds From Spain.

¿La colaboración con Walter Daniels salió de vuestras visitas a Estados Unidos?
Perico: el comienzo de todo esto fue que tengo un colega en Málaga, Juanillo Basura, y él estaba metido en el club de fans de Gun Club y conoció a Walter. Íbamos a Austin y Juan le comentó que se pasara por el concierto. Fue la primera toma de contacto. Al año siguiente pensamos que acoplar una armónica con su estilo y forma de blues primigenio estaría bien, así que le planteamos lo de la gira y se vino para acá.
C: ¡A comer jamón! (risas).

Ahora grabaréis también con él en Austin
PE: El EP [Walter Daniels & Guadalupe Plata] se grabó en Málaga, en el estudio de Maxi [Hollers Studios de Máximo RB], cogimos canciones que nos gustaban, las sacamos en un par de días y acompañamos a Walter. Ahora queremos que participe con su armónica, pero más dentro de las canciones de Guadalupe Plata.

Vuestra filosofía es sacar los discos en internet y en vinilo, ¿no tenéis nada en formato CD?
Pe: exceptuando algunos pocos que se hicieron de promocion. Está todo en internet, y al que le guste que se lo compre en vinilo.

Vuestra música recuerda al rollo fúnebre, de cementerio, de The Cramps C: es una alegría que te lo digan, un elogio.

Pe: nos encantan, pero más que tirar del sonido Cramps, nuestro estilo de guitarras y la forma de las canciones están muy basadas en el blues de los 30-40, a lo Mississipi Fred McDowel, por ejemplo. El toque Cramp es tirar de rock and roll, de psicodelia y de garaje viejo. Nosotros hacemos lo mismo, añadiendo la misma reverb… me encanta que se parezcan.

Pasaba con bandas como The Cramps y ahora pasa con vosotros, ¿creéis que la gente se acerca a vosotros más que por la música por la imagen que tenéis?
C: no es una música especialmente fabricada para que la gente se lo pase bien viendo un concierto, ni que baile mucho, ni que disfrute. Siempre hemos hecho lo que hemos querido hacer sin buscar nada particular, si la gente ve curioso un barreño o a Perico tirarse al ampli a acoplar o unos cencerros pues está también bien que vengan a verlo, si llaman la atención y acercan a esta música pues bienvenidos sean.

 

Fuera de España consideran que hacéis una mezcla de flamenco y blues
Pe: es música que tienes adentro y que a la hora de interpretar, aunque no sea tu intención hacer flamenco, pues sale, y puedo llegar a entender que tenga ese punto flamenco. La música que hacemos tiene la misma historia de entrar-salir sin una normativa o compases exactos, la canción va fluyendo con una estructura mínima y a partir de ahí tira pa’lante.

Raimundo Amador también sería flamenco-blues, aunque estaría más cerca del flamenco… Pa: Estuvimos con él en Austin en una tienda, con la eléctrica nadie le hacía ni caso, pero en cuanto cogió la española y empezó por bulerías todo el mundo se quedó alucinado.

Pe: el caso de Raimundo es que con su hermano hacía muy buena pareja… luego también veo que esta gente explotó la mezcla con el blues rock de los años 60, Hendrix, Pink Floyd… y se olvidaron de mirar tres eslabones más abajo. Es una cosa que tengo yo siempre en mente, coger una guitarra puramente flamenca y una puramente delta y juntarlas, porque eso tiene que ser espectacular.

El blues y el flamenco tienen mucho en común, las letras quejumbrosas…
Pe: Es quejío, Blind Willie McTell, Charlie Patton… quejarse o estar arrepentido, es lo que nosotros queremos plasmar.

Siempre viene del sur… C: hay mucha pena en el sur (sonríe). Pe: son zonas más depresivas, gente con menos dinero y quizá eso haga hincapié en que el quejío o la pena salga con más facilidad, no te quiero decir que en Galicia o en el País Vasco no exista la misma historia pero…

C: es un punto en común que tienen todos los sures de los países, tradición más rural, el clima, el campo…

Ritmos lentos y pesados, tanto en un blues de plantación de algodón como en una procesión de semana santa
Pe: efectivamente.

Precisamente para vuestro próximo disco queréis hacer algo con música de semana santa
Pe: estamos en ello, vamos a grabarlo en abril y casi la mitad del disco va a ir con toque fúnebre. Cuando escuchas las grabaciones de Alan Lomax escuchas la azada y hace eco de lo que puedes escuchar de una banda de semana santa. Hablo de semana santa sobre todo de Úbeda, Jaen, que es diferente, por ejemplo, al toque sevillano, donde el tambor es más rimbombante. C: Y las trompetillas más de fanfarria. Es diferente, en Úbeda es como más solemne, más tétrico. También la semana santa en Úbeda se divide muy bien en lo que es la vida y la muerte, cuando muere Jesús las bandas de tambores pasan a eliminar las cornetas y sólo son bandas como de silencio, de tambor. Pe: El bombo prevalece también, eso es importante, suele haber más bombos que cajas.

C: aprovecho para decir que en Úbeda se está empezando a meter la semana santa sevillana, y no debería pasar, hay que conservar las tradiciones de los sitios.

¿Sois muy religiosos? C: no, ni chispa (risas). Pa: no somos religiosos pero todos llevamos estampas de la virgen. C: desde chico lo estás viendo, y por muy poco religioso que seas, si estoy en semana santa en Úbeda y veo pasar una procesión me gusta verla.

Pe: si tú ves pasar en una calle estrecha a dos tíos encapuchaos con toque de bombo solemne, incienso, campanilla… a mi se me llegan a poner los pelos de punta aunque no tenga una fe ciega en esas cosas, es un espectaculo visual alucinante.

Dentro de la escena blues siempre parece tener más éxito lo que va de Muddy Waters en adelante… C: somos unos apestados para los del blues, no nos quieren…

Pe: lo primero que escuché fue blues británico, Bluesbreakers, Eric Clapton, luego Albert Collins, Albert King, todos los King (risas)… a mí ese blues me encanta, pero cuando descubres otras formas de cómo puede sonar una guitarra te hace cambiar la óptica de la guitarra en sí misma. El blues en la actualidad creo que sufre un cáncer, o no sé cómo denominarlo, de repente la gente empezó a tocar blues acogiéndose a esos moldes y se olvidó de lo que era la esencia del cotarro. Ahora vas a los festivales de blues y a veces dan ganas de echar una cabezadilla…

[Carlos y Perico empiezan a imitar manidos solos de guitarra]

Pe: yo creo que eso está bien, T-Bone Walker, BB King o cualquiera de estos electricos es la polla, pero esa insistencia en la cuestión está agotando.

 

C: y machacando.

Un ejemplo de ese blues que me decís, tocó el otro día en Madrid, Joe Bonamassa
Pe: me parece espantoso, tocó en Cazorla y no pude aguantar aquello, no me parecía blues, sinceramente y con todos mis respetos a su técnica y a su historia… me quedo igual que estaba. Aparte que vas a tocar blues y sales con una despensa de 12 guitarras, cambiando en cada canción… ¿pero esto qué es? esto es otra cosa, si me lo quieres vender como blues me parece estupendo, pero yo no lo considero blues. Un boogie de John Lee Hooker de 2 minutos y medio con una sola nota te deja tan a gusto, pero uno de Bonamassa no me deja igual, y mira que le mete más alardes, más acordes, cambios…

Guadalupe Plata actuarán junto a The Clams y The Government el viernes 9 de marzo en la sala El Sol de Madrid.

Texto: Rafael Mozún

 

The Beatles. Las tribulaciones del Sargento Pimienta | Musica Rock

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A Hard Day´s Night

, Rubber Soul, Revolver, Help!, Magical Mystery Tour, Abbey Road… Nombres que lo son todo, palabras con un significado que va más allá de lo lingüístico. Y es que, por mucho que a algunos les cueste reconocerlo, The Beatles no es simplemente un grupo de música; su forma de influir sobre la sociedad, sobre las modas y las ideas está probada, quedando fuera de ninguna duda. Aunque suene irónico, desde que comencé a escribir en este medio tenía pensado que el clásico que debía iniciar mis artículos de fondo o reportajes sería una obra de The Beatles. Al lector le extrañará este retraso, aunque tiene cierta justificación –por lo menos emocional–. Durante todo este tiempo se han repetido las dudas y los reparos a la hora de ponerme en serio con una creación de estos músicos. Desde un primer momento pretendía mostrar el cariño con el que se lleva a este grupo dentro, aunque también buscaba poder dar algunas pinceladas que subieran un escalón más de lo que el simple recuerdo nostálgico aporta.

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Ahora, y tras una dura lucha de valores para escoger un favorito, he decidido quedarme con el primer disco de The Beatles que llegó a mis manos. Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band significó una revolución para un niño que sólo escuchaba la radio con sus grupos formulados por ventas y modas. En unos momentos en los que todavía no sabías muy bien que era eso del inglés, cuando no comprendías sus llamativos trajes, sí podías sentirte atraído por una música que volaba sola por cada rincón de tu cuarto. Aun sí, creo que vale la pena volver la vista atrás, y no me refiero a la fecha en la que pude conocer las canciones de dicho cuarteto. Mi intención es analizar la obra en su año de nacimiento, y éste fue 1967. Un vinilo que estaba enmarcado en su tiempo, que se movía bajo el vaivén de su época y que así es como lo paso a analizar.

El disco se abre con el tema que da título al álbum, un “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” que separaría definitivamente a la banda de cualquier estereotipo preconcebido por su audiencia. La composición posee una fuerza que va más allá del rock and roll clásico que habían facturado en sus inicios los ingleses. El cambio de las modas y el impacto creado al escuchar a The Jimi Hendrix Experience en el Saville Theatre, hizo que el tándem Lennon/McCartney se revolucionara hasta unas cotas desconocidas. Así surge la idea de montar una obertura para su gran obra. Una canción que mezcla las estrofas escupidas a gritos con los puentes pomposos a cargo de un cuarteto de viento, todo ello para rematarlo en un estribillo lleno de psicodelia rockera y frases pegadizas.

Del deslumbrante inicio se salta a la melódica “With A Little Help From My Friends” (nada que ver con las posteriores versiones que se han hecho de ella). La que en un primer momento sería unos simples acordes de Lennon llamados “Bad Finger Boogie“, terminaría cerrándose como una de las tonadas más clásicas del cuarteto. Eso sí, para llevarla a buen puerto, el dúo de oro de la composición intenta separarse de sus cánones clásicos. Lennon y McCartney no pretenden agarrase a los tópicos de siempre y buscan una nueva forma para romper con cierta monotonía que ellos mismos acusaban. Se plantea la idea del “brainstorm”, la persecución de ideas en las revistas de la época o la simple observación de sus seres más cercanos. Tomando un poco de todo, y mezclado con las ya habituales sustancias psicotrópicas, nace sin muchos más problemas la ya conocida tonada.

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Y llegamos a uno de los errores más claros que existen con respecto a composiciones de The Beatles. Durante muchos años se mantuvo la idea de que “Lucy In The Sky With Diamonds” era la referencia inevitable al LSD, sobre todo por la concordancia con las iniciales del tema y al comprobar la atmósfera de la canción. Nada de eso, ya que Lennon se inspiró en su escritor favorito, Lewis Carroll, y en su archiconocida Alice In Wonderland. La canción es un simple viaje a través del espejo, es el paso al otro lado moviéndose por un mundo preconcebido por Carroll. De hecho, Jefferson Airplane también lo hicieron al componer su “White Rabbit“, aunque los norteamericanos sí que agitaban los dados del doble sentido. De cualquier manera, siendo una canción realmente reveladora en cuanto a su organización musical, no llegó a convencer a Lennon.

Todo lo contrario que “Getting Better“, un corte que devuelve cierta fuerza de su inicial “Sgt. Pepper’s…” y que nos presenta un metrónomo en forma de guitarras. La línea de bajo entraba con una inyección directa sobre el resto de instrumentos y le daba ese efecto retardado que mantenía cada estrofa. Y de una manera sencilla entra “Fixing A Hole“, momento que volvió a crear cierta polémica en su contenido. Se jugaban varias teorías a la hora de interpretar su letra, desde la relación con las obras que McCartney había realizado en su granja escocesa algunos meses antes, hasta posibles alusiones al mundo de la heroína. Aun así, y alejándonos de dobles significados, “Fixing A Hole” posee cierta atmósfera de vodevil y suave sabor afrancesado, tal vez marcado por el sinuoso paso del clavicordio que graba para la ocasión el mismo George Martin.

She’s Leaving Home“, aunque acreditada al clásico tándem, es puramente McCartney. Paul, tras leer un artículo en el Daily Mirror sobre una adolescente que se escapa de casa, se centra en componer un corte que plasme el cambio generacional o salto de edades de la posguerra. “A Day In The Life“, que más adelante analizaré, y esta “She’s Leaving Home” son muestras incuestionables de la esencia de las dos cabezas pensantes. De hecho, y separando el magnífico trabajo de cuerda que realizan el resto de músicos contratados para la ocasión, los dos únicos Beatles que aparecen en la ejecución de la misma son John Lennon y Paul McCartney. Tras el momento dramático llega la fiesta, se abre la carpa y suena el organillo. Próxima parada: “Being For The Benefit Of Mr. Hite!“, composición en la que se huele el serrín de las tres pistas del circo y en la que los payasos hacen de las suyas. Bueno, mejor sería decir el clown, pues fue Lennon al que se le ocurrió la idea de este freak sonoro. En una tienda de antigüedades de Kent, John se topó con un cartel victoriano de unos titiriteros que en 1843 montaron un espectáculo en Rochdale. Al compositor se le enciende la bombilla y decide ponerse a crear música a partir de las frases que adornan el anuncio. Una vez de vuelta en Abbey Road, sería George Martin el que remataría el asunto: órganos de época, voces, armonios, armónicas y demás.

Para muchos críticos de la época es la conciencia de Sgt. Pepper’s… y para otros una composición de relleno. Algo de cierto tiene la primera afirmación sobre “Within You Without You“, aunque no es así lo de la falta de contenido o sentido dentro del álbum, que aseguraban los segundos. George Harrison, compositor de esta maravilla, intentó mojarse en la letra de su creación. Se mancha y defiende la idea de lo pequeño que es el ser humano ante la propia humanidad en sí, el concepto de superación por medio de la unión y la eliminación de guetos psicológicos unipersonales. Compuesta primero a golpe de armonio y posteriormente sazonada con sitares, guitarras acústicas, dilrubas y tamburas, esta octava genialidad del redondo está muy por encima de la mayoría de canciones compuestas por los grupos contemporáneos de The Beatles. Seguimos el paseo con “When I’m Sixty-Four“, tonada que inicialmente no poseía letra y que nació como simple base instrumental. Durante un tiempo The Beatles la usaron cual entretenimiento del público cuando los equipos de voces fallaban. Para Sgt. Pepper’s… se recuperó y, aprovechando el sesenta y cuatro cumpleaños del padre de Paul, se escribe una letra en relación con tan significativa fecha.

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Odiada por Lennon y típica en McCartney, “Lovely Rita” representa el claro exponente de composición en tercera persona. Al igual que “Paperback Writer“, “Lovely Rita” trata de una temática alejada del “yo”. Algo que puede parecer soso y poco comprometido aunque, sin ir más lejos, ha servido como base a lo largo del tiempo para centenares de creaciones de bandas posteriores nacidas bajo la influencia beatleliana. Los cambios en el ritmo, la versatilidad del bajo que con sutileza marca una línea ciertamente sincopada y los latigazos sonoros que las baquetas de Ringo crean al golpear los platos, hacen de esta tonada una muestra más de la maestría del grupo para sacar lo mejor de lo que en un principio parecía una idea ciertamente demodé. “Good Morning Good Morning” es el tema que llena de alegría los trece cortes que conforman el álbum. Inspirado, según parece, en los irritantes anuncios televisivos de los copos de avena de Kellog’s, esta composición muestra sin reparo una crítica a todos aquellos que plantean la vida como un simple juego, que obligan al mundo a levantarse con una sempiterna sonrisa sin preocuparse por lo que les rodea. La clásica mueca y pataleta de un Lennon cada vez más reaccionario.

Y tras el “reprise” de “Sgt. Peppers Lonely Heart Club Band“, que nace como posible final para sus espectáculos en directo –Paul la utilizaría años después para sus actuaciones cual solista–, nos encontramos con un rincón en el que el tándem muestra su alma al oyente en forma de canción. Realmente influenciados por la imagen del mundo y sensación de libertad que les crea el LSD, Lennon y McCartney escriben en “A Day In The Life” sobre los límites del mundo real, de la sobria percepción que invade al habitante común de la tierra. Intentan mostrar la manera tan curiosa que tiene la vida de aplastar los sueños y propósitos, al mismo tiempo que nos hipnotizan con un mágico desarrollo en dos partes: la suave melancolía que muestra la visión de una realidad onírica y la triste realidad que se muestra día a día ante nuestros ojos.

Al final, y tras todo el esfuerzo y las ideas aportadas para el disco, muchos sólo lo vieron como el experimento psicodélico de The Beatles. Pero la realidad es otra, ya que Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band es una de las obras musicales de escucha obligada para entender la música de finales de los 60 y principios de los 70… sin olvidarnos de pequeños retazos que todavía hoy podemos hallar en las nuevas propuestas sonoras.

The Aynsley Dunbar Retaliation: Memorias de gozo y dolor | Musica Rock

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Liverpool. Punto de partida de unos irreverentes The Beatles. Uno de los núcleos musicales fundamentales para muchos acólitos a la British Invasion. Allí, y al igual que aquellos primeros Quarry Men, creció Aynsley Dunbar. El hoy reconocido grande de las baquetas y uno de los mercenarios a la batería más reputados, que ha tocado con una interminable lista de figurones que va desde Frank Zappa o Pat Travers hasta Journey, se formó con una inquebrantable pasión por el blues. Joe Morello, baterista del padre de ‘Take FiveDave Brubeck, o Buddy Rich, el geniecillo del up tempo swing, serían espejo en el que fijar sus miras.

Debido a las modas del momento sus primeras apuestas semiprofesionales se movieron alrededor del beat imperante. La Freddie Star’s Band o The Flamingos ofrecían un espacio para Dunbar aunque sin aportar la chispa de lo trascendente. The Mojos y una audición para Alexis Korner serían el fogonazo que daría vida en cierto sentido a The Aynsley Dunbar Retaliation. Los primeros le ofrecieron la oportunidad a Aynsley de poder mezclar en las creaciones a interpretar movimientos de la cultura negra como el r&b o el blues, mientras que gracias a la cita con Korner entró en contacto con el irrepetible John Mayall. El rey de la armónica enseguida quedó prendado por las artes instrumentales del baterista y le ofreció cerrar su base rítmica junto a John McVie (posteriormente fundaría Fleetwood Mac con Mick Fleetwood y el prestigioso guitarrista Peter Green). Dunbar había saltado definitivamente a la primera división.

En aquellos días, y tras el éxito junto a Mayall, el percusionista llegó a tocar todos los palillos: audición para The Jimi Hendrix Experience (banda a la que no llegó a pertenecer por problemas con unas libras arriba o abajo en el contrato), colaboraciones con el arrojado Jeff Beck, etcétera… Estando aún con Beck, Aynsley se reúne para una sesión de grabación en abril de 1967 con Peter Green, Jack Bruce (Cream) y Rod Stewart. De aquel hermanamiento de armas saldría el sencillo ‘Stone Crazy’, canción producida por Mike Vernon. Este buen conocedor de las mesas de mezclas se encargaría de acompañar al baterista en su primer single como The Aynsley Dunbar Retaliation. El tema se titularía ‘Warning’ y con el paso de los años les dio más de una sorpresa (Black Sabbath terminaría grabando esta composición).

 

Cuando en agosto de ese mismo año llegó el Seventh National Jazz And Blues Festival de Windsor, Dunbar decidió apearse de la jaca prestada por Beck y centrarse en sus Retaliation. En el nombrado festival haría doblete tras los parches con ambos proyectos, despidiéndose de uno y dando la bienvenida al segundo. El bajista Alex Dmochowski, el vocal Victor Brox y el guitarrista John Morshead completaron el cuadrilátero con el que ponerse a trabajar en serio. En 1968 se terminaría publicando tras un hercúleo esfuerzo de la agrupación una presentación como álbum homónimo. Su labor musical fue recompensada con inmejorables críticas, algo que unido ya a la fama de calidad de Dunbar les convirtió en “la banda que había que ver de una u otra manera”. Desde Hendrix hasta Steve Howe, pasando por Dave Gilmour o Alvin Lee, todos se acercaban a sus conciertos y terminaban subiendo como invitados para improvisarse algo con el cuarteto.

Liberty era el sello bajo el que editaban y la discográfica apostó fuerte por sus muchachos. Aun así, y aunque ya eran un referente en la escena de blues blanco, los mandamases de su casa de discos erraron al apoyar un sencillo que realmente no les representaba. ‘Watch ‘N Chain’ suponía un juego de pop extraño con el que abrir el LP para posteriormente pasar a asuntos más serios, así que dicha tonada no contenía el espíritu de los futuros Retaliation (aunque estuviese compuesta por los cuatro miembros del combo). Pero esto no hundió el barco, todo gracias al trabajo que traían de largo por los diversos clubes británicos. Por ello cuando aún se estaba disfrutando de la miel de su versión al clásico de Percy MayfieldMemory Of Pain’, al igual que se escuchaban los ecos de aquella crítica del New Musical Express diciendo de ellos que eran la apuesta más atractiva dentro de la escena blues, Retaliation no se reprimen y asaltan la industria con su segundo Doctor Dunbar’s Prescription (1969).

 

Las prisas nunca son buenas y pueden terminar por quemar aquello que en un primer momento parecía una auténtica mina de oro. Y esos empujones en fechas se los impone su sello para Estados Unidos Blue Thumb Records. Asegurando que se han empezado a abrir camino en las tierras de los yanquis con Doctor Dunbar’s Prescription, la discográfica en Norteamérica pide otro álbum con novedades antes de que termine el año. Así nacería aún en el 69 su To Mum From Aynsley And The Boys, un disco producido por el mismísimo John Mayall y en cuya portada aparecían los miembros de Retaliation vestidos como auténticos teddy boys (posiblemente como guiño a su nuevo público). En este punto el cuarteto había ampliado sus filas hasta terminar en un conjunto de cinco hombres con la unión del teclista Tommy Eyre.

 

Todo parecía maravilloso, perfecto para una banda nacida para durar, aunque la verdad es que las presiones estaban acabando con ellos. Aynsley se sentía agotado de los tira y afloja, mientras que Bryan Morrison, cabeza visible de Blue Thumb Records, continuaba con su juego sucio. En esta ocasión apremió a Victor para que se pusiese en marcha por el logro de pergeñar un posible cuarto álbum de estudio. Remains To Be Heard, ya metidos en 1970, resultó ser el larga duración póstumo. Cuando el vinilo toca la calle el conjunto ya estaba más que fragmentado y había comenzado su huída por los más diferentes caminos. De hecho, y como muestra reveladora, Dunbar, padre del invento, únicamente aparece en cuatro cortes del trabajo, mientras que Victor se hace acompañar a las voces por Annette Brox en seis temas. Otra de las grandes pérdidas dentro de esa invasión blues que nació en los 60 en Inglaterra y que ansiaba por emular a los grandes mastodontes de la América negra.

Hamlet “La Puta y el Diablo” | Musica Rock

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Hay un dicho muy castizo que viene a decir lo siguiente; “Renovarse o morir”. Parece ser que Hamlet, una de las bandas mas importantes de nuestro país en el mundo del metal alternativo, se ha grabado esa cantina en la mente para ofrecernos su nuevo disco titulado; La Puta y el Diablo.

El grupo madrileño viene cargado de savia nueva con este décimo álbum de su carrera discográfica. Con canciones que recuerdan al más puro sonido de la banda, quizás, con los sonidos más parejos a aquel álbum llamado Insomnio que editaron de la mano de Zero Records allá por el año 1998.

La Puta y el Diablo contiene joyas como “El hábil reino del desconcierto“, convertido en el single presentación, “Sacrificio” o, “En el nombre de Dios“, temas en los que Molly, la voz cantante de Hamlet, rompe con todo y nos regala mayor agresividad en su voz y, si cabe, un juego más amplio de cambios tonales a los que no nos tenía acostumbrados. Se nota que los madrileños quieren que este discazo se convierta en el más importante de su discografía porque han puesto toda la carne en el asador.

Si algo cabe destacar en este nuevo trabajo es la tremenda contribución del nuevo fichaje, el guitarrista Alberto Marín (Kaothic, Skunk DF) que le da al grupo un grado más de sonido metal pero sin alejarse de los temas melódicos característicos de la banda. Su contribución queda sobradamente ejemplificada en el tema “Escupe tu vanidad” en el que se puede comprobar, in situ, la maestría de Marín con la guitarra. Sin duda han encontrado en él  la pincelada que les faltaba para poder llegar, como es su deseo, al público internacional.

Ese salto internacional que anhela Hamlet viene precedido por el empujón de Roadrunner Records, uno de los sellos más importantes a nivel mundial en el mundo del metal, con los que por primera vez trabaja la banda y que les ha permitido crear, sin lugar a dudas, el disco más completo de los madrileños.

Increíble trabajo de Hamlet que vuelve con grandes composiciones y un trabajo soberbio de todos sus componentes.

La Puta y el Diablo un disco que te enganchará desde la primera escucha.

Toñy Espada

España también celebra el Bob Marley Day por primera vez | Musica Rock

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Con motivo del 65º aniversario del nacimiento de Bob Marley, acaecido un 6 de febrero de 1945, se va a celebrar en todo el mundo el Bob Marley Day, consistente en una serie de fiestas para conmemorar este acontecimiento y rendir homenaje al artista jamaiquino.

Se trata de un evento que se celebra en numerosas ciudades de todo el mundo, siendo los más representativos los que se celebran en Los Ángeles, Buenos Aires, Paris, Londres, Kingston o Nueva York.

Serán 4 horas del mejor reggae, a cargo de artistas nacionales junto con algunos artistas locales, para mostrar la música de raíces jamaicanas que se esta realizando en nuestras ciudades y a su vez compartir el grandioso legado de Bob Marley.

Este año ha trascendido con mayor fuerza la organización de éste evento por tratarse de la primera edición que se hará en España, contando con los mejores artistas de reggae nacionales del momento y alguna estrella internacional invitada.

Los artistas que se darán cita en éste homenaje recordarán temas míticos de Bob Marley en clave de reggae, dancehall, ragga, dub & roots, además de su propio repertorio.

La primera parada del Bob Marley Day tendrá lugar el 4 de febrero, a las 20.00 horas, en la sala Bikini de Barcelona con el inglés Benjammin acompañado de la banda de reggae catalana Ranking Soldiers, los catalanes Nyahbingi Sound, y King Horror Sound para cerrar la noche.

Ese mismo día, a las 22.00 horas, en la sala Vivero de Málaga , el cantante de la mítica banda ASWAD, Brinsley Forde y los madrileños Ras Kuko & Bratt estarán acompañados por la Mad Sensi Band. Los malagueños South Fire, con su potente dub y King Wadada Sound, completarán la noche junto a Chalice Sound.

El mismo 4 de febrero, en el Kafe Antzoki de Bilbao, desde las 21.00 horas, actuarán Jahsta Reggae Band , La Tribu Selektahs, el soundsystem maño por excelencia, y también estarán Novato & Mad Muasel & Manny Lion & Chete, que nos traerán el dancehall más fresco del panorama vasco.

La segunda parada tendrá lugar el 5 de febrero ,a las 21.30 horas, en Pamplona, sala Movie (Antigua Artsaia), con la presencia de la Jahsta Reggae Band, La Tribu Selektahs y Jarel Babel.

En ese mismo día, en Alicante, a las 22.00 horas, en la sala The One (Antigua Nave 8), contaremos también con Ras Kuko & Bratt feat Mad Sensi Band, el cantante madrileño Piña de los Emeterians, Novato y Chalice Sound.

Para finalizar éste festival, el día 6 de febrero, a las 19.30horas en Madrid, tendremos un gran colofón en la sala Heineken, con el britanico Brinsley Forde (Aswad), el máximo exponente del reggae español Morodo, Ras Kuko, Bratt feat Mad Sensi Band, el ruandés Donpa, Pipo, de Gregtown, Emeterians, y Novato que dará el cierre del Bob Marley Day.

Heart: Fanatic Live From Caesar Colosseum (2014) | Musica Rock

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Nadie puede quitarles a las hermanas Wilson, Ann y Nancy, el calificativo de pioneras dentro del rock. Principales responsables de Heart, cuentan con una trayectoria iniciada a principios de la década de los setenta, con un primer álbum, Dreamboat Annie, publicado en 1976.

A través de más de cuatro décadas, con la de los ochenta como la más exitosa, han plasmado un buen numero de canciones vinculadas tanto al hard como al folk, sobreviviendo a las modas en cuando al tema musical y a los altibajos físicos, en el caso de Ann, apartada durante un tiempo de la música debido a sus adicciones.

Viviendo en la actualidad una nueva “juventud artística”, entregan otro trabajo en directo en el que recopilan gran parte de su legado con temas como su principal éxito mediático “Barracuda”, que cierra el álbum, además de clásicos como, “Crazy On You”, “Heartless”, “Even It Up”, “Dog And Butterfly”, “These Dreams” y “Alone”, los dos últimos en clave de balada con apoyo de una sección de cuerda, que es una novedad, y que, además, está presente en composiciones de su último trabajo Fanatic, álbum publicado en 2012 que está sustanciosamente representado con cinco piezas: “Fanatic”, “Mashallah!”, “59 Crunch”, “Walking Good” y “Dear Old America”, algo normal si tenemos en cuenta que el álbum pertenece a la actuación final de la gira de presentación de Fanatic que tuvo lugar en el Caesars Colosseum de Windsor, en Ontario.

Junto a las hermanas Wilson, Ann (voz) y Nancy (guitarra), completan la formación: Craig Bartock (guitarra), Debbie Shair (teclados y percusión), Ben Smith (batería) y Dan Rothchild (bajo), además de los miembros de la mencionada sección de cuerda.

En definitiva rock clásico con la decisiva presencia de la elegante voz de Ann y melodías cautivadoras que perviven al paso del tiempo.

Aunque aquí se ha reseñado el CD, también está disponible en en DVD, CD+DVD y Bluray.

GRUPO: Heart
TITULO: Fanatic Live From Caesar Colosseum
DISCOGRAFICA: Frontiers Records
AÑO: 2014
PAIS: Estados Unidos

Resumen contenido revista Popular-1 (agosto 2013) | Musica Rock

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Joey Belladonna

y Scott Ian, de Anthrax, ocupan la portada de agosto de Popular-1; en páginas interiores, en una extensa entrevista, el guitarrista del grupo de Nueva York habla de diversos aspectos relacionados con la banda y con su persona.

Popular-1 también da amplio espacio a la crónica del Hellfest francés, convertido en uno de los festivales europeos más relevantes y en cuya edición 2013 actuaron, entre otras bandas, Down, Z Z Top, Karma To Burn, Voivod, Witchcraft, Kiss, Ghost, Graveyard, Danzig, etc.

Asimismo, también se incluye un amplio despliegue informativo sobre el Azkena Rock Festival, una de las grandes citas españolas de la temporada, que en su edición de 2013 ha contado con la presencia de The Black Crowes, The Sword, Smashing Pumkins, The Sheepdogs, Gov’t Mule, etc.

Popular-1 continua celebrando su 40 Aniversario con entrevistas a diversos personajes que hablan de su relación con la revista, en esta oportunidad se incluyen declaraciones de Julián Hernández (Siniestro Total), Sandford Music Factory, Los Zigarros, Pulsar y Sue Gere.

RESTO DEL CONTENIDO

NOTICIAS: Lemmy, Casablanca, Billy Duffy, Tommy Bolin, Carcass, David Feinstein, Christopher Amottm Sammy Hagar, The Babys, The Doors, Steve Hunter, Nick Cave, Alice Cooper, The Blacksliders, Javier Escovedo, Venom

CONCIERTOS: Def Leppard+Whitesnake+Europe, Saxon, Lana Del Rey, Roger Hodgson, The Smashing Pumpkins, Earth Wind And Fire, Torche, The Sword (Barcelona); Kiss (Milán), The Who (Londres)
FESTIVALES: Dock Festival (Murcia), Cruïlla Festival (Barcelona)

ENTREVISTAS: Paul Gilbert, Neal Smith (Alice Cooper), Mudhoney, Sodom, Chad Channing, Warren Haynes (Gov`t Mule), Lenny Wolf (Kingdom Come), Rocket From The Crypt, Anvil,

CRITICAS: Disco del Mes: Fooler’s Gold (Meschiya Lake & The Little Big Horns), The Quireboys, Valient Thorr, Jane’s Addiction, Before Cars, Steven Wilson, Mark Lanegan & Duke Garwood, Queensryche, Harry Connick Jr., Blackmore’s Night, Kingdom Come, Jidden Masters, Twisted Sister, Bandmater Fire Company, Bai Bang, Leño, Jolly Joker, Dover, Justyn Hayward, jacco Gardner, Deep Purple, Moritz, Pretenders. DVD’s: Dio, Jethro Tull.

TAMBIEN SE HABLA DE: Muddy Roots Europe 2013, Diamond Dawn, 4OnTheFloor, Blackfoot Gypsies, Popular-1 Bizarro: Frankenstein Conquers The World

Entrevista con Francis Rossi, guitarrista de Status Quo que edita disco en solitario | Musica Rock

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Francis Rossi, guitarrista de Status Quo, es un inquieto profesional de la música que se pasa media vida componiendo canciones y al que se podría catalogar como de compositor compulsivo. Si no es momento de hacerlo para el grupo, lo hace por cuenta propia y, al final, reúne la cantidad suficiente de material como para grabar un álbum, como ha sido el caso de One Step A Time, segundo trabajo en solitario que aparece tras 14 años de vacío. En la siguiente entrevista Francis, con su desenfadado estilo, nos pone al corriente de esta nueva etapa al margen de Status Quo. De paso, no desperdiciamos la oportunidad de hacerle algunas preguntas acerca de ciertos aspectos de la trayectoria del popular grupo inglés, además de algún que otro punto de vista personal.

¿Qué diferencian las canciones de One Step At A Time de las de un álbum de Status Quo?

No creo que haya muchas diferencias, realmente. Siempre he pensado que cualquier cosa que escribo o toco, no se aleja demasiado de mi propio estilo. Aunque sí es verdad que algunas personas dirían que estas canciones son algo más pop que el estilo que normalmente hacemos. No sé decirte, sólo veo que las escribo, las canto y las toco. Realmente, las diferencias no las expongo yo, aparecen durante la grabación, no es algo preparado de antemano, la identidad del propio estilo surge mientras lo tocas, es algo bastante más espontáneo.

Es tu segundo disco tras King For The Doghouse de 1996. ¿Qué ha ocurrido para que después de 14 años hayas decidido volver a grabar en solitario?

Bueno, es una larga historia. Me mudé hace unos dos años de la que había sido mi casa durante 35 años. En la nueva casa monté un estudio de grabación adosado a ella. Cuando el estudio estuvo acabado, necesitaba probarlo para ver qué tal sonaba, así que empecé a trabajar en él, tocando estas canciones, que algunas devinieron más cercanas al estilo pop como te he dicho, aunque yo no pienso realmente que sea así, pero hay gente que lo afirma. Bueno… entonces llamé a mi manager y le pregunté si le apetecía venir y escucharlo porque, claro, yo puedo escucharme a mí mismo, y pensaré que sueno genial. Pero ya sabes, la gente te proporciona otro punto de vista en cuanto a crítica, que es lo que necesito. Así que me dijo: “genial, lo miramos y podrías empezar a trabajar en ello. Puedo conseguir un contrato rápidamente para que te pongas en la carretera pronto, ir a México…” …que es algo que me encanta hacer, desde luego. Y entonces fue cuando se convirtió en un álbum, ahí es cuando empecé a tomármelo en serio y me dije: “ups, vamos a poner un poco más de atención en esto que estamos haciendo, que salga algo de más calidad…”. Así que, después de ese punto, sólo estaba yo trabajando en esas canciones. Porque me gusta hacer eso, lo haría de cualquier manera. Escribo canciones la mayor parte del tiempo y las grabo la mayor parte del tiempo también. Pero el desarrollo de cómo empecé a “enamorarme” de esto, a ilusionarme con ello, supongo que también tuvo que ver el enseñárselo a alguien y que le gustara. Eso afectó a mi ego de alguna manera, ya sabes, la necesidad de presumir cuando algo está bien hecho, y que te lo digan. Y cuando supe que les gustaba mi álbum… Es como si fueras a tu mamá y le preguntaras: “¿mamá, soy un buen chico? –claro que sí cariño- muy bien, gracias”. Creo que en el mundo de la música abunda mucho esta especie de contradicción entre inseguridad y presunción. Por esa necesidad de cubrir la inseguridad personal presumiendo de algo, yo necesito eso todo el tiempo. No quiere decir que yo piense que el mundo sería un lugar mejor, (risas) eso sería algo muy idiota… Es más en el sentido artístico que quisiera gustarle a la gente, supongo.

 

¿Qué otros músicos han colaborado junto a ti en la interpretación de las canciones?

Las canciones las he escrito todas junto a Bob Young, que ha estado conmigo todos estos largos años. Luego se unió otra persona más, Carl Johnson, con el que compuse otras dos canciones. Además, una canción está compuesta por mi segundo hijo, Nicholas. Conseguí que Andy Bown tocara el piano en unas tres canciones. Luego en una canción llamada “Sleeping on the job” toca otro bajista… y así; el resto somos, o yo, o mi hijo, tocando el bajo, básicamente. Yo toco casi todo en el disco. Pero la cosa es que esto no lo empecé como un “firmamos aquí y tú y yo hacemos un álbum”, no joder! (risas). Simplemente me puse con las canciones y las cosas iban surgiendo. No había ningún trasfondo de presión, ninguno de esos males que se sufren porque… “hey, estamos haciendo un disco”. Me gusta el hecho de, simplemente, hacer las canciones y terminar siendo, eso “un álbum, yujuuuhhh”, pero sin todo ese desarrollo bajo presión.

¿Por qué la necesidad de hacer una versión del tema Caroline?

Bueno, todo empezó con una charla con Robert Plant. Estábamos hablando y él me contaba sobre su nuevo disco… Y mi manager vino a verle así que hablamos de algunas cosas, yo le conté lo genial que es hacer un disco en solitario, y me dijo que sí, que efectivamente era genial, opinamos lo mismo. Entonces, mi manager fue a verle y, al parecer, tocó dos o tres temas de Led Zeppelin. Y me dijo: “deberías tocar un par de temas antiguos, de los clásicos, y bla bla bla”. Entonces recordé cuando estaba escribiendo “Caroline” con Bob. Fui al estudio, cogí la guitarra, me puse el tema, y me encantó como sonaba y dije: “tengo que poner esto en el set-list”. Me encantó porque es una de las cosas que no debes hacer, y bueno, mucha gente opina que nunca debería hacerse una versión de “Caroline”, pero a mí me encanta hacer todo lo que se dice que no ha de hacerse. Supongo que tiene algo que ver con el carácter, con ese rebelde que aún llevas dentro, aunque yo ya no creo ser un rebelde. Todos tenemos nuestra época y luego nos volvemos estables, la vida va así. Luego haces algo salvaje y pareces volverte rebelde otra vez, en contra de lo establecido, porque es algo que nadie haría a tu edad, nadie mayor. Y los mayores, son lo establecido (risas).

¿Puedes comentarnos el contenido del disco, un breve repaso a las canciones, cómo fueron surgiendo…

Bueno, cuando Bob y yo empezamos con el proyecto, quizá llegamos a tener unas 20 ó 30 canciones, de las cuales sólo 4 ó 5 acaban utilizándose, las otras se desechan, y esas eran las canciones en las que yo estaba trabajando. Pero la cosa es que yo no me senté con la guitarra y dije: “vale, ahora tengo que hacer un álbum”, no había esa presión sobre el tiempo, ni parámetros ni reglas acerca de cómo lo tenía que hacer. Digamos que me limité a hacer las canciones y otras cosas que normalmente no haría en las armonías. Cuanto más tiempo pasas con las canciones mejor te acabas llevando con ellas, o mejor te suenan y, al final, incluso llegaron a pasar seis meses y no había cambiado una sola cosa. Y todas esas canciones no encajarían normalmente en un proyecto normal. Supongo que el modo en que las mantengo es como me gustan… y si le gustan a mamá, no hay más que decir. (risas)

 

 

Después de tantos años de actividad ¿Qué momento de tu trayectoria te ha llenado más de satisfacción?

Buena pregunta…. Creo que entre todos ellos, si sólo tuviera que escoger uno sería muy triste. Pero, por ejemplo, un momento genial es cuando te oyes por primera vez en la radio. Fue un gran momento cuando “Pictures Of Matchstick Men” alcanzó en número 7 del top ten. Y el primer éxito que tuvimos con un disco, con Piledriver, que alcanzó el número 1, ése fue otro gran momento. Después tuvimos “Down, down” en el número 1; “In The Army Now” fue también número 1… Los momentos de éxito al fin y al cabo! Creo que estos momentos tienen que abundar, que apreciarse y perseguirse, porque de otra forma no tendrías una banda, no la trabajarías… Lo comparo con el momento en que una mujer tiene un hijo; es algo que una vez lo has pasado piensas que no volverías a tener un hijo en la vida (risas), pero algo te dice: “vuelve y hazlo otra vez”. Y esa es la razón de ser de estos preciados momentos y recuerdos en la historia de uno. Porque hay momentos realmente malísimos, horribles, pero luego están esos otros tan fabulosos, que te hacen olvidar aquellos que fueron muy malos, y seguir buscando siempre ese gran momento de éxito. Esa es la cuestión, olvidar lo malo; sabes que puede pasar, sabes que te estás arriesgando a que sea horrible otra vez… pero en cierto modo te tienta a pensar que puede haber mucho de lo maravilloso también, y la vida es siempre maravillosa al fin y al cabo. Así que, en conclusión, todos esos grandes momentos son los que recuerdo, y no podría elegir entre ellos un momento especial en nuestras vidas. He vivido 60 años, si es para elegir un solo momento, no compensa mucho, je, je.

¿Dónde encuentras la inspiración para sacar ideas y seguir componiendo después de más de 45 años de trabajo?

Pues yo creo que es el tema de la inseguridad o algo así, la inseguridad de uno mismo. Necesito poder presumir, tener algo que enseñar a alguien y saber si le gusta. E incluso en el pequeño campo que es el estilo de canciones que hago, hay una chispa… sigo sintiéndome vivo, sigo sintiéndome creativo. Porque, aunque ese estilo sea limitado es el mío propio. Así que me encanta lo que hago, las canciones con Status Quo me emocionan mucho y realmente es genial. A veces es como cuando tienes sexo con alguien, con la misma persona, el mismo momento, el mismo escenario, la misma ropa, todo lo que forma parte de ello es igual, y sin embargo no funciona como lo hizo la última vez. Y lo vuelves a hacer, y puede que funcione esa vez. Pues es lo mismo en la música y es lo mismo en las giras. Tratas de hacer escrupulosamente lo mismo, y no siempre funciona. A lo mejor no es una buena analogía, pero supongo que todo el mundo entiende que algo muy grande y maravilloso ocurre en el sexo. Y siempre buscas eso una y otra vez cada vez que lo haces, y cuando no lo consigues te preguntas: “¿qué habré hecho mal?” y entonces lo haces otra vez y de repente es maravilloso! Y no hay nada que lo explique. Pues bien, creo que es lo mismo con la música. Algunos shows pueden ser realmente fantásticos, y algunos pueden ser “mmmmhh… psé”. A veces piensas que es porque tocaste delante de miles de personas, y eso no tiene nada que ver. Pueden ser 400 y conseguir ese mismo momento de euforia, de “aarghhh..!”. Pues es lo mismo con el sexo.

 

 

Siempre el sexo, eh? (risas)

Sí, claro, bueno, todos tenemos esta inquietud por dentro, es una cosa maravillosa, por supuesto.

¿Es eso lo normal entre los músicos de rock? Porque, desde luego, la mayoría siempre lo tenéis como un tema principal…

Bueno, lo cierto es que a mí me da igual el tema ese de “músico de rock” o no, yo no creo en ese “estilo de vida de rock’n’roll”, no pertenezco a nada de esas mierdas. Quiero decir que, ese estilo de, “montones y montones de sexo con montones y montones de gente, montones y montones de droga, montones y montones de alcohol, etc…”, no es más que un comportamiento estúpido… Quiero decir, es el tipo de comportamiento que mucha gente puede tener en los fines de semana y, por alguna razón, no sé cual, la gente es incitada a hacer eso todo el tiempo. Y parecen estar conformes! Todos: “pues bueno, vale”… Pues no! De vale nada, es un comportamiento estúpido! Quiero decir, enciendes la televisión ahora y es jodidamente estúpido todo lo que hay! Maldita sea! Tendré que ir a la tienda y comprar una televisión nueva! (risas) Ahora en serio, por alguna razón, el mito alrededor del rock’n’roll es ese morbo de: “lo vamos a contar… ahora… vamos a entrar en la habitación del hotel… ¡oh dios mío está jodidamente ahumado! Las vírgenes abundan por doquier, ¡vamos a emborracharlas y a drogarlas!” y la situación normal es: “gracias por ahumarme el hotel, adiós buenas tardes, hasta otra!”. Y es que aquí tienes la razón para todo esto: dinero! Todo jovencito que vea estas cosas por la televisión haría mejor en tirarla por la ventana, porque dirá: “ohhh… Eso es lo que yo quiero ser!” ¡No! Lo que tienes que apreciar es todo el trabajo que hay detrás y que no se ve, la buena música, los buenos discos, las buenas actuaciones! Y creo que es por esto que me considero bastante diferente a la mayoría de este mundo, porque la gente dice: “Nah, es que eso es rock’n’roll” pues no, yo no lo creo.

Bueno, he de decir que estoy totalmente de acuerdo contigo…

¡Gracias!

No, gracias a ti, faltaría más! Es un honor poder contar con testimonios auténticos de verdaderos “rockstars” que no tratan de vender lo mismo que el resto, con una opinión diferente. Ahora bien, entrando en preguntas más concretas… Sin contar los de Status Quo… ¿Cuáles han sido tus discos preferidos en la historia del rock?

Mmmmmmmmm…………… alguno de los Beatles probablemente, los tempranos o, bueno, todos los de los Beatles, la verdad. Hotel California (Eagles), el primero o el segundo de Andy Bown, y me he olvidado del resto, pero estoy seguro de que hay muchísimos más. Ésta es una de esas típicas preguntas que te pide que hagas una especie de lista como esos programas con los que puedes llevar tus 10 o 5 discos favoritos contigo… yo, de verdad, que no puedo hacer eso, en mi vida he sido capaz. Creo que me tiraría meses para elegir una lista adecuada. Es como si te preguntan: “¿Cuál es tu canción favorita?” “¿Cómo que mi canción favorita? Es como, “Mira es ésta o tal otra, y el resto de las canciones a la mierda, no importan”… pero en qué cabeza cabe… Bueno, pero ahí tienes una breve idea de cuáles son mis álbumes preferidos. Oh, lo olvidaba! The Essential Pavarotti, porque crecí con ello! (risas.) Que no, que va en serio! Es lo que escucho siempre después de los conciertos en las giras! De verdad, me encanta tanto… ¿sabes? Debería haber sido mi padre…

Eso no entra para nada dentro de la historia del rock, pero bueno…

¡Ah bueno (risas)… lo puedes quitar si quieres! Pero creo realmente que el rock tiene bastante de eso también.

 

 

Y… siguiendo con las listas. ¿Cuáles son tus cinco canciones preferidas de Status Quo?

De Status Quo? Oh Dios mío, buff…pero si es que… he escrito tantas canciones buenas! (risas) Venga vale…”In the Army Now”, (yo no escribí “In The Army” así que… ¿puedo contar esa canción?), emm… “Pictures of Matchstick Men”, “Marguerita Time”…, una canción llamada “All We Really Want To Do” (o la que en la práctica llamamos “Polly”) y, probablemente, “The Oriental”….oh, no, no, no… lo que te dije, ahora me has puesto en un aprieto, ves? Ya no sé cuál elegir! (risas) Venga, vale, “The Oriental” ; “Electric Arena”, y “Tongue Tied”. Y si quieres quitar alguna de esas para hacer cinco, por mí perfecto (risas).

Y los discos de oro plata y bronce de Status Quo?

Mmmm… Para mí, pues… Heavy Traffic, “In Search Of The Fourth Chord, Rock ‘Til You Drop… bueno, y Hello! también lo incluiría, sí. Me has dicho cuatro o cinco?

Solo tres…

Ah! tres, es verdad. Bueno pues entonces… esos cuatro y alguno más por ahí que otra vez no recuerdo (risas) me pasa mucho, ¿verdad? Lo cierto es que no podría decir sólo tres, no quitaría ninguno de esos. Perdona que esté así, pero esta mañana me he despertado a las 02h00 de la madrugada y no podía dormir y hasta ahora… así que no te extrañen mis conclusiones ahora (risas).

Quo, ha sido, posiblemente, el disco más enérgico y potente de tu carrera, podríamos decir que es la contribución más cercana al heavy metal de Status Quo?

Pues sí, mira, la verdad me sorprende que me hagas esta pregunta pero sí, está bastante bien la apreciación, sí podríamos decir eso. Pero te darás cuenta en ese disco, bueno, yo entonces que era joven no me gustaban muchas de las canciones en ese disco, digamos que estaba en un momento más “pop” si se puede decir e intentaba introducir el “hard chord” en el estilo y ahora no encaja si lo toco con algo más suave, sin embargo, en su momento lo mezclaba… Así que sí, estoy de acuerdo en que Quo es el álbum más cercano al estilo psycho- heavy metal, más que a ninguna otra cosa.

Qué recuerdos te trae el primer disco en directo de Status Quo… Quo Live, pienso que no ha sido valorado lo suficiente…

Bueno, lo primero que se me viene a la cabeza pensando en ese álbum, y que no incluimos en la descripción del disco, es que lo grabamos en tres noches. La primera noche pensamos que fue increíble, la segunda estuvo aún mejor si cabría decir, y la tercera pensamos que estuvo realmente bien. Es como con tus tres primeros discos, el primero está bien, el siguiente crees que es mejor y con el tercero ya te olvidas de lo mucho que te gustó el primero. En el disco conseguimos mezclarlo todo un poco y dejarlo más o menos al mismo nivel, y bastante bien. De ahí que haya terminado siendo uno de nuestros álbumes más populares, aunque yo no lo incluiría como tal. Es que, realmente, no entiendo los discos en directo… Entiendo los conciertos en directo, vale, pero los discos… no pillo el concepto. Vamos a ver, los conciertos están para vivirlos en directo como su nombre indica, y si los grabas no me digas que es un “live!” porque solo es un disco más… “¡no pero es un directo!”… que no! Que es un disco! La gente dice, “no pero es que capta la “magia” del directo, blablabla”, pues no, el show, la gira, fueron mágicos, pero lo que está grabado, es una grabación y punto. Y realmente no puedes captar en una grabación lo que se vive en un directo.

 

 

¿Por qué dejó John Coghlan Status Quo tan pronto y en una época tan exitosa para la banda?

Bueno sabes que… en realidad, el desarrollo de una banda es una democracia. Es un triunfo a lo largo del tiempo, y es en las decisiones de esa democracia donde se encuentran, al fin y al cabo, las razones del éxito. Lo que pasó con John Coghlan fue que por aquel entonces, esa democracia no era tan importante como la razón del éxito, sino que, como mucha gente piensa, lo son el dinero y…, como hablábamos antes, es el comportamiento típico del “rock’n’roll”… y cuando esa mierda anda de por medio… que si muchísimo alcohol por aquí, sexo o lo que sea por allá, el desmadre… al final, el hecho de estar en una banda, de estar tocando esa noche, acaba volviéndose algo secundario. Y creo que eso acabó por tomar control de John Coghlan, al final, le gustaba darle a los porros demasiado y, encima, era muy bebedor también… Y… ya sabes que eso no mezcla nada bien. El que fuma porros, no va con borrachos o, los que están borrachos, no les gusta ir de fiesta con fumados. Pero él lo mezclaba todo y, en una noche de esas durante una gira, en uno de nuestros conciertos más cañeros, se desmayó. No sabíamos qué hacer, evidentemente, éramos muy jóvenes y, además, teníamos la presión de todo el trabajo que hacíamos junto a él. Una vez, estábamos grabando disco en Suiza y, de repente, en medio de la grabación, paró todo, tiró la batería a patadas y se fue. Le dijimos: “Bueno, esta es la última vez que vas a hacer eso”. Y fue la última vez. A veces la gente, al prensa, opina que habría que darle otra oportunidad pero, darle otra oportunidad supondría que acabara con el mismo comportamiento, así que… Estas cosas pasan en las bandas y es una pena pero es así… Precisamente hablé con Alan Lancaster esta mañana y, después de los años, se ha dado cuenta de las muchas cosas negativas que hubo durante aquellos tiempos. Ahora, a veces, preguntan si nos volveremos a reunir. Parece ser que para algunos, la reunión de Quo con Alan y John sería un hito en el universo, pero no… nada más lejos de la realidad, eso no sería así y simplemente algunas personas irían a vernos y ya está. No es lo mismo que si Status Quo no hubiese tocado durante 25 años y, de repente, se volvieran a juntar, hemos seguido tocando durante todos estos años con otros componentes y Status Quo ha seguido su curso, con lo cual, no hay esa especie de mito de “la banda que vuelve”, como alguna gente piensa que se diría si Alan Lancaster y John Coghlan volvieran. Es algo que podría pasar pero… probablemente no será así (risas).

Hablando de Alan Lancaster, él estuvo contigo desde los inicios… ¿Qué pasó para que dejara la banda. Si no me equivoco, su marcha estuvo rodeada de cierta polémica…

Pues, las razones principales por las que Alan dejó la banda fueron my similares a las de John Coghlan, bueno, no del todo quizás. Alan y yo nos conocemos desde el colegio y ya entonces empezamos como banda, Al cabo de unos doce años las cosas empezaron a irnos bien, y Rick Parfitt se unió en el 67. Entonces, parece ser que Alan se quedó más en segundo plano, por así decirlo. No porque nosotros hiciéramos algo, o así lo que quisiéramos, sino porque las cosas sucedieron así, simplemente. Principalmente fueron diferencias musicales. Por ejemplo, lo que hemos hablado del álbum Quo, que yo pienso que está muy lejos de ser nuestro mejor álbum. Pienso, sin embargo, que donde realmente llegamos a congeniar juntos fue en On The Level, hay una mezcla bastante rara, interesante diría yo, pero esta vez eran melodías más tipo “pop” digamos, y entonces fue donde más nos llegamos a entender. Pero, por lo general, Alan y yo teníamos diferencias musicales muy evidentes que nunca pensé que llegarían a tanto, al principio incluso era divertido y enriquecedor, pero bueno, las cosas pasan así. Y el caso es que nos conocemos desde que éramos niños, y hablar con él ahora es como… “vaya, qué raro”, pero en realidad, ahora nos llevamos muy, muy bien. Le conozco desde que tenía 11 años y ahora tengo 60. Y sé el tiempo qué es eso…

Bueno, eso parece ser un final feliz al fin y al cabo…
Sí, es un final feliz, de hecho, sí.

¿Cuáles son tus aficiones al margen de la música?

Pues… no sé qué decir. Bueno, suelo ir bastante a disparar, hago mucho tiro skeet pero, normalmente, o estoy en casa tocando o estoy toqueteando algo en el estudio o compongo o… ¡lo que sea! Lo que quiero decir es que siempre hay algo que hacer en este trabajo. Practicar es una de ellas, hay que tocar y practicar mucho todos los días, encontrar el sonido que buscas, etc… La verdad es que, si no necesitara tocar la guitarra, no sé en qué emplearía todas esas horas de mi vida! Así que para contestar tu pregunta… la verdad es que a penas tengo ningún hobbie. Bueno, normalmente cuando vuelvo a casa, me gusta meterme con el jardín, con el coche, me gusta pasar las Navidades con mi familia por supuesto… pero vamos, la mayor parte del tiempo me gusta tocar, me gusta exhibirme delante de la gente, jejeje.

Además del Reino Unido, ¿tienes pensado presentar el disco en directo en otros países?

¡Bien! ¿Cuáles?

Bueno, la primera idea era hacer unos 6 shows o algo así empezando por el Reino Unido pero, una vez empezamos, comenté con uno de los músicos que, la verdad, estaría bien hacer más porque el rollo es muy distinto a tocar con Status Quo y me encanta también. Así que hemos cogido unos cuantos shows en Escandinavia, se ha planteado ir a España, a París por septiembre y después haremos unas cuantas fechas más… Va a ser un poco duro porque mis rodillas se van a resentir, pero mientras aguanten… Me encanta ver a las chicas delante del escenario, me encanta tocar encima del escenario, y eso es una muy buena terapia para mí. Así que para responder a tu pregunta una vez más, sí.

¡Perfecto! ¡Entonces esperamos verte en España pronto!

¡Por supuesto! De hecho, el otro día lo comentaba con uno de los músicos… ¿dónde están las chicas morenas…? ¡en España! Es que a mí no me gustan mucho las rubias, ¿sabes? Y la comida española… Es que tampoco me gusta mucho la comida inglesa. Así que… seguro, pienso visitar España en este tour.

Estupendo, esperamos recibirte pronto. Muchas gracias por todo, ha sido un placer y hasta tu próximo show aquí!

NOTAS:

Bob Young, ha sido habitual colaborador en Status Quo desde 1968, ejerciendo de compositor en muchas de sus canciones.

Andy Bown, teclista y guitarrista, es miembro de Status Quo desde 1976.

ENTREVISTA LOCKY PEREZ/ASTRID DE LERA – FOTOS: LOCKY PEREZ

Próxima gira de Michael Monroe por España en mayo | Musica Rock

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El que fuera vocalista de Hanoi Rocks, Michael Monroe, visitará de nuevo España en una gira en la que presentará su nuevo trabajo discográfico Horns And Halos, en Bilbao, Madrid, Zaragoza y Barcelona.

Michael Monroe se ha mantenido en activo desde el lejano 1980, cuando fundó Hanoi Rock. Desde entonces, ha sido una referencia imprescindible para numerosas bandas, entre ellas, los mismísimos Guns N’ Roses.

Lo que mejor define a Michael Monroe es que no se deja atrapar por las telarañas del tiempo. Es un músico que sigue revitalizándose disco a disco, canción a canción. En este caso su nueva referencia, Horns And Halos (Spinefarm Records), es una demostración de que nuestro protagonista sigue teniendo el talento intacto.

La banda que le acompaña también tiene una gran reputación. Al bajo está su amigo inseparable Sami Yaffa, quien ha estado también en Hanoi Rocks, Demolition 23, New York Dolls y Compulsions (junto a gente de Guns N‘ Roses). A la batería estará Karl Rockfist, quien, asimismo, ha colaborando con Dregen (Hellacopters/Backyard Babies), otro de los implicados en Horns And Halos. Se completa la formación con Steve Conte, quien tiene en su curriculum el haber trabajado con gente como Willy DeVille, Maceo Parker, Billy Squier, Chuck Berry o Willie Nile, además de liderar su propia formación y Rich Jones de Black Halos como última incorporación.

Sin duda, un grupo de músicos de auténtico lujo que, además de presentar algunas de las canciones de Horns And Halos y los otros trabajos de Michael Monroe como artista en solitario, contarán con un repertorio donde también se incluyen reconocidas composiciones de Hanoi Rocks así como alguna sorpresa en forma de clásicos de The Damned, Ramones, Johnny Thunders, The Stooges, etc.

LOS DATOS

FECHA: 08-05-2014
CIUDAD: Erandio (Bilbao)
LUGAR: Sala Sonora
APERTURA PUERTAS: 19:00
PRECIO: 25 euros + gastos anticipada (30 en taquilla)
PUNTOS DE VENTA: Power Records, red de Ticketmaster, Fnac, Carrefour, Halcón Viajes
VENTA ONLINE: www.taquilla10.com
VENTA POR TELEFONO: 902 15 00 25

FECHA: 09-05-2014
CIUDAD: Madrid
LUGAR: Sala Copérnico
APERTURA PUERTAS: 20:00
PRECIO: 25 euros + gastos anticipada (30 en taquilla)
PUNTOS DE VENTA: Sun Records, Cuervo Store, red de Ticketmaster, Fnac, Carrefour, Halcón Viajes
VENTA ONLINE: www.taquilla10.com
VENTA POR TELEFONO: 902 15 00 25

FECHA: 10-05-2014
CIUDAD: Zaragoza
LUGAR: Sala La Casa Del Loco
APERTURA PUERTAS: 22:30
PRECIO: 25 euros + gastos anticipada (30 en taquilla)
PUNTOS DE VENTA: Leyenda, Linacero, red de Ticketmaster, Fnac, Carrefour, Halcón Viajes
VENTA ONLINE: www.taquilla10.com
VENTA POR TELEFONO: 902 15 00 25

FECHA: 11-05-2014
CIUDAD: Barcelona
LUGAR: Sala Razzmatazz 2
APERTURA PUERTAS: 19:00
PRECIO: 27 euros + gastos anticipada (30 en taquilla)
VENTA ONLINE: www.ontheroadmusic.es

Resumen contenido revista Popular-1 (Mayo 2014) | Musica Rock

revista-popular-1-mayo-2014

Enrique Bunbury

acapara la portada de mayo de Popular-1, el artista español pasa por uno de los momentos más exitosos de su carrera con giras por Latinoamérica, Estados Unidos y, por supuesto, España, y la revista no ha querido dejar pasar la ocasión para hacerle una extensa entrevista en exclusiva.

En otra entrevista, Popular-1 contactó con Nina Antonia, incondicional fan de Johnny Thunders y quien cuenta su turbulenta historia al lado de fallecido músico.

Acaban de pasar 50 años desde que The Beatles irrumpieran por primera vez en los televisores de Estados Unidos y Popular-1 realiza una retrospectiva de lo que significó para la historia de la música la presencia del grupo británico en Norteamérica.

Finalmente, en un corto pero interesante artículo, Popular-1 nos descubre los orígenes de AC/DC a través del grupo Marcus Hook Roll Band, ahora que los australianos pasan por un momento decisivo de su carrera con la baja obligada de Malcolm Young por enfermedad.

RESTO DEL CONTENIDO

NOTICIAS: Tom Petty, John Lydon, AC/DC, Ted Nugent, Jack White, Neil Young, Chrissie Hynde, Uriah Heep, Tankard, Loudness, Kix, Night Ranger, John Garcia, Fatal Smile, Mother Superior.

CONCIERTOS: Allman Brothers Band (Nueva York), Metallica (Chile).

ENTREVISTAS: Flamin’ Groovies, Sebastian Bach, Sami Yaffa, Marc Ford, Jonny Kaplan, Boo Boo Davis, Bob Wayne, Heart, Handsome Dick Manitoba, Lords Of Altamont, Carl Palmer, Against me!, Danny & The Champions Of The World, Jace Everett, Ha ha Tonka, Julián Maeso, Frequency.

CRITICAS: Disco del Mes: The River & The Thread (Rosanne Cash), Steel Panther, Sebastian Bach, Black Label Society, Marc Ford, Hank Williams, Mark Lanegan, Foxy Shazan, King Buzzo, Ian Anderson, Asia, Rory Kelly, Sex Museum, Elliott Murphy, Alice Cooper, Mount Salem, John Mayall, Barricada, Sidonie. DVD’s: Pink Floyd, Bruce Springsteen.

TAMBIEN SE HABLA DE… No Sinner, The River 68’s